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Juliette Wytsman, née Juliette Trullemans le 14 juillet 1866 à Bruxelles

Le thé (Les peintres Juliette et Rodolphe Wytsman)- par Herman Jean Joseph Richir

Biographie

Juliette Wytsman, née Juliette Trullemans le 14 juillet 1866 à Bruxelles et morte le 8 mars 1925 à Ixelles, est une artiste peintre impressionniste belge

Juliette Wytsman est la fille d'Emanuel Trullemans et de Julie Tetelain. Comme beaucoup de jeunes filles à son époque, Juliette commence par peindre des tableaux de fleurs.

Spirées Musée d'Ixelles.

Elle a fréquenté l'école Bischoffheim où son professeur est le peintre Henri Hendrickx et où les jeunes filles qui ne peuvent fréquenter l'Académie apprennent le dessin, la broderie, la céramique, et autres techniques. Ketty Hoppe, qui sera plus tard l'épouse de Victor Gilsoul, a été également élève de cet établissement. Ensuite elle va fréquenter l'atelier bruxellois de Jean Capeinick qui a été professeur à l'Académie de Gand et qui possède une assez bonne notoriété comme peindre de fleurs. Capeinick va lui permettre d'élever sa technique jusqu'à un niveau professionnel et dans un premier temps elle adoptera son style. La seule audace qu'elle se permet est de peindre des bouquets de fleurs dans des vases très simples et même parfois sales. Elle expose pour la première fois au Salon de 1883. C'est dans l'atelier de Capeinick à Bruxelles que Juliette va rencontrer pour la première fois Rodolphe Wytsman qui a été, lui aussi, l'élève de Capeinick mais à l'Académie de Gand. Juliette et Rodolphe font partie d'un groupe d'artistes qui se rassemblent chaque année dès le mois de mai à Knokke et à qui Alfred Verwée rend volontiers visite. Juliette épouse Rodolphe le 16 février 1886. Dès après son mariage, Juliette abandonnera son nom de jeune fille Trullemans

au profit de son nom d'épouse Wytsman. Le couple s'installe d'abord au 16 de la rue du Berceau à Bruxelles où Rodolphe a élu domicile après avoir quitté Gand, persuadé que Bruxelles est le centre de la modernité en matière d'Art. Ensuite le couple s'installe au 39 de la rue Keyenveld à Ixelles. Rodolphe Wytsman est un peintre impressionniste fondateur du Groupe des XX et donc prône de peindre la nature en y plantant son chevalet. Ils décident donc de se choisir une seconde résidence à la campagne.
Juliette et Rodolphe se sont installés à La Hulpe dans une propriété qui se trouvait dans le bas de l'Avenue des Combattants et se sont rapprochés de Camille Lemonnier qui y possédait une maison de campagne. En 1892, les Wytsman quittent La Hulpe et achètent une maison à Linkebeek dans un lieu dit Oplinkebeek au numéro 6. Le sentier où se situe cette maison porte d'ailleurs leur nom. Ils appelleront cette seconde résidence "Les Tournesols". Au fond du jardin se situe l'atelier des peintres. Juliette est bibliophile. Quand le temps ne lui permet pas de peindre dans la nature, elle compose des ornements typographiques (lettres, culs-de-lampe, vignettes). Juliette Wytsman aimait aussi faire de la reliure.

Flower Garden - Juliette Wytsman, c.1910.

The flower garden

The vegetable garden

Juliette a peint dans son jardin, dans les environs de Linkebeek mais aussi les bords de Meuse. Le couple a beaucoup voyagé en Angleterre, Autriche, Allemagne, Italie, Espagne, Portugal et aussi Norvège et dans les îles Canaries. Mais ces voyages ont laissé relativement peu de traces dans leurs œuvres respectives.
Le couple expose dans la section belge des Beaux-Arts de l'Exposition Universelle de Paris. En 1907, ils participent à une exposition organisée à Varsovie par un industriel polonais et en 1908 ils exposent à Berlin.
En 1911, Juliette Wytsman fonde à Bruxelles avec quelques autres femmes peintres belges la "Galerie Lyceum".

coquelicots

La Marne

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Bords de la Marne

La Première Guerre mondiale a beaucoup bouleversé le milieu des artistes belges, qui se sont exilés en France, en Angleterre, aux Pays-Bas. Les Wytsman ont quitté la Belgique pour les Pays-Bas comme beaucoup d'autres artistes belges et comme le plus célèbre d'entre eux, Rik Wouters. Aux Pays-Bas, les Wytsman n'ont pas beaucoup le temps de peindre car ils organisent plutôt des expositions au profit des peintres belges exilés comme eux et qui n'ont plus aucuns moyens de subsistance. Ainsi en 1916, ils organisent à Amsterdam une exposition sur l' Art Belge. Lorsque Rik Wouters meurt en 1916 d'un cancer de la face, c'est Rodolph Wytsman qui prononce l'éloge funèbre.
Après la guerre, les Wytsman regagnent leur Linkebeek bien-aimé. Si les Wytsman ont été des peintres reconnus, ils participent pas aux nouveaux mouvements artistiques qui apparaissent à l'époque. Ils préparent par contre ensemble une rétrospective de leur œuvre commune.
Juliette Wytsman meurt dans sa maison de la rue Keyenveld à Ixelles le 8 mars 1925. Rodolphe mourra dans la maison de Linkebeek 2 ans plus tard.

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Le couple de peintres

Œuvre

À l'école Bischoffheim, Juliette Wytsman a l'occasion d'apprendre plusieurs techniques artistiques. Elle produira quelques peintures sur porcelaine à cette époque où elle signe encore de son nom de jeune fille Trullemans. Mais elle préfèrera toujours peindre des fleurs. Au début de son œuvre, elle appliquera sagement les conseils de son professeur qui lui permettra de peindre selon une technique classique. À cette époque, elle est naturaliste c'est-à-dire qu'elle peint des natures mortes de fleurs sans plus.

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cerisiers en fleurs

Floraison

son petit chien

Au moment de l'installation des Wytsman à la Hulpe, Juliette va, comme tous les impressionnistes, planter son chevalet dans la nature sans doute à l'instigation de son mari mais aussi sous l'influence de Camille Lemonnier grand défenseur du retour à la nature. Émile Claus, porte drapeau du luminisme, va certainement aussi l'encourager à peindre les fleurs en captant l'impression de la lumière du jour, de l'heure, de la saison sur elles tout cela avec une excellente technique. La composition de ses tableaux est souvent la même : un paysage à l'arrière plan et à l'avant plan des fleurs qui mettent en valeur ce paysage.

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Le moulin de Trulemans

Le bord de l'étang

Roses trémières

Souvent une couleur domine avec une prédilection pour le mauve clair ou le jaune. Les paysages sont souvent ceux qui entourent le jardin de la maison de Linkebeek notamment du lieu dit Oplinkebeek, mais aussi des alentours comme ceux du plateau du Kauwberg à Saint-Job. Parfois ce sont les bords de Meuse qui l'inspirent (Yvoir) ou bien plus loin des paysages de Teneriffe. Lors de leur séjour aux Pays-Bas pendant la Première Guerre mondiale, le couple s'est installé dans le Brabant hollandais (Mook) qui présentait des paysages de bruyères et de marais analogues à ceux de la région de Linkebeek. Le couple Wytsman est resté à l'écart des grands bouleversements qui agitent l'art en Belgique à leur époque comme le fauvisme par exemple. S'ils étaient proches d'Émile Claus, ils n'ont jamais comme lui représenté des paysans au travail dans un moment de l'histoire où les mouvements socialistes défendaient les ouvriers et les agriculteurs.

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1797 : Paul Delaroche, peintre français († 4 novembre 1856).

Paul Delaroche, pseudonyme d’Hippolyte de la Roche, né le 17 juillet 1797 à Paris où il est mort le 4 novembre 1856, est un peintre français.

Biographie

Paul Delaroche est issu d'une famille aisée. Son père, Grégoire-Hippolyte de la Roche (1761-1839), est expert en tableaux et marchand d'art. Le jeune-homme devient l'élève de Louis Étienne Watelet, puis de Antoine-Jean Gros, alors que son frère aîné Jules (1795-1849), également artiste-peintre, est l'élève de Jacques-Louis David.
Il expose pour la première fois au Salon de 1822, et attire l'attention de Géricault.
Il ne commence à être remarqué qu'au Salon de 1824 où sont exposés Saint Vincent de Paul prêchant pour les enfants trouvés et Jeanne d'Arc dans sa prison.

"Saint Vincent de Paul prêchant en présence de la cour de Louis XIII pour les enfants abandonnés", tableau de Paul Delaroche

Jeanne d'arc malade est interrogée dans sa prison par le cardinal de Winchester-Paul Delaroche

Au fil des expositions, il devient connu pour être l'initiateur de l'« anecdote historique », un genre à vocation documentaire et à sensibilité dramatique qui connaît un grand succès et qui s'inscrit dans la veine de la peinture d'histoire. Si Paul Delaroche est un des peintres les plus célèbres de son temps, c'est en grande partie dû au fait que le genre dont il s'est fait une spécialité convient parfaitement à l'idéal du mouvement artistique du « juste milieu » de la Monarchie de Juillet.
Il expose dans les années suivantes : La Mort d'Elisabeth, Miss MacDonald secourant le Prétendant, Les Enfants d'Édouard (1830), l'un de ses tableaux les plus populaires, Richelieu traînant ses prisonniers sur le Rhône, Mazarin mourant, Strafford marchant au supplice, Charles I^er insulté par des soldats de Cromwell, Cromwell regardant le cadavre de Charles I^er, Le Supplice de Jane Grey (1833), L'Assassinat du duc de Guise.

Delaroche - La mort d'Elizabeth

Delaroche - Les enfants d'Edouard

Richelieu sur le Rhône

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Charles 1er insulté par les soldats

Le supplice de Jeanne Grey

Cromwell regardant le corps de Charles 1er

Paul Delaroche - L’assassinat du duc de Guise au château de Blois en 1588

Il est admis à l'Institut de France en 1832, où il est alors le plus jeune membre. Il est nommé, peu après, professeur à l'École des beaux-arts de Paris, où il enseigne jusqu'en 1843, date à laquelle un bizutage tragique, qui cause la mort d'un élève, le contraint à fermer son atelier.
À partir de 1837, il cesse d'exposer, mais continue à travailler sans relâche : il met quatre ans pour achever la peinture murale de L'Hémicycle des Beaux-Arts de l'amphithéâtre de l'École en 1841, une vue panoramique qui rassemble 75 figures des plus grands artistes de toutes les époques.

L'Hémicycle d'honneur de l'Ecole des Beaux Arts

Parmi ses autres œuvres, on remarque Bonaparte franchissant les Alpes, Napoléon à Sainte-Hélène, Marie-Antoinette après sa condamnation, La Cenci marchant au supplice, Le Dernier adieu des Girondins, et plusieurs sujets religieux :

[url=https://art.rmngp.fr/fr/library/artworks?authors=Paul Delaroche]Paul Delaroche[/url]

Descente de croix

Le Martyre de la jeune Chrétienne

La Vierge à l'Enfant

Portrait du pape Grégoire XVI par Paul Delaroche

Moïse exposé sur le Nil, Le Christ à Gethsemani, Le Christ sur la croix, Le Christ des affligés, L'Ensevelissement du Christ, La Vierge au pied de la croix, La Vierge chez les saintes femmes, La Vierge en contemplation devant la couronne d'épines, une Jeune martyre.

Bonaparte franchissant les Alpes

Napoléon à Sainte-Hélène

Paul Delaroche peint également pour le musée de Versailles : Le Baptême de Clovis, Le Sacre de Pépin, Le Passage des Alpes par Charlemagne et son Couronnement à Rome. Il exécute un grand nombre de portraits, parmi lesquels ceux de Guizot, Lamartine, Salvandy, Rémusat et Thiers.
L'École de Munich s'est inspirée de sa peinture d'histoire. Il a également influencé des peintres comme Fritz Zuber-Bühler.
Après avoir vu pour la première fois un daguerréotype il aurait prophétisé, selon Gaston Tissandier : « À partir d'aujourd'hui la peinture est morte. » Cependant, cette citation, sans doute apocryphe, est contestée par Stephen Bann, pour qui il n'existe pas de phrase plus ressassée et plus fallacieuse5 l'archéologue-égyptologue Charles Lenormant, il compose avec lui les vingt volumes du Trésor de numismatique et de glyptique (1831-1850).
Il épouse en 1843 une fille d'Horace Vernet, dont la mort prématurée assombrit ses dernières années. Leur descendance a joint les deux noms et s'appelle encore de nos jours Delaroche-Vernet.

Œuvre

Paul Delaroche: Les dernières heures du Cardinal Mazarin

Citation :: L'œuvre peinte a bénéficié d'être reproduit par de nombreux graveurs du vivant de l'auteur qui étaient proches de la galerie Goupil, connue internationalement, laquelle employait Henriquel-Dupont, Luigi Calamatta, Paolo Mercuri, Pierre Martinet, et d'autres, puis elle la fit même photographiée dès 1858 par Robert Jefferson Bingham. De nombreuses toiles deviennent ainsi des « chromos », des images inscrites dans le quotidien du foyer, marquant les générations. C'est donc un peintre connu du grand-public au xix^e siècle et sa popularité met en lumière l'histoire et l'évolution des goûts en termes d'art et de représentations, comme le résume Henri Delaborde dans son éloge (1857 :

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Paul Welsch

(1889-1954)

Paul Welsch, né le 26 juillet 1889 à Strasbourg et mort le 16 juin 1954 à Paris, est un peintre français figuratif. Également graveur (eau-forte, gravure sur bois et linogravure) et lithographe, il était membre de la Société des peintres-graveurs français.

OEUVRE

Il y commence ses études secondaires qu'il achève à Hanovre. Ses carnets d'esquisses (1907-1908) montrent déjà sa maîtrise du dessin. Il poursuit des études de droit à l'université de Strasbourg puis de sciences politiques à la faculté de droit de Paris (1909-1911). C'est à cette époque qu'il devient l'élève d'Émile Schneider (1873-1947) à Strasbourg aux côtés duquel il expose ses premiers essais. À Paris, dès 1911, il débute en peinture chez Maurice Denis qui le convainc de consacrer sa vie aux beaux-arts. Il se perfectionne en dessin et gravure auprès de Bernard Naudin (1876-1946). Jusqu'en 1914 il étudie à l'Académie Ranson auprès de Maurice Denis et de Paul Sérusier. Il expose dans ces années-là, notamment à la Société des artistes français en mai 1913, une série de gravures de facture très réaliste.

La guerre de 1914 interrompt brièvement ces débuts : enrôlé sous le drapeau allemand, il est blessé sur le front russe et rapatrié dès décembre 1914. Les peintures exécutées entre 1914 et 1919 sont caractérisées par des traits épais et nerveux aux couleurs vives, ainsi qu'en témoigne la Place Kléber pavoisée pour l'armistice, toile de 1918 conservée au Musée d'Art moderne et contemporain de Strasbourg.

En 1919, il forme avec d'autres peintres alsaciens le Groupe de Mai, influencé par les œuvres de Paul Cézanne : Jacques Gachot (1885-1954), Hans Haug (1890-1965) dit Balthasar, Edouard Hirth (1885-1980), Martin Hubrecht (1892-1965), Luc Hueber (1888-1974), Louis-Philippe Kamm (1882-1959) et Lisa Krugell (1893-1977). Le Groupe de Mai, au sein duquel Gilles Pudlowski distingue« Paul Welsch qui peint les bleu azur de la Provence avec une luminosité tranquille et s'affirme comme le Méditerranéen du groupe », exposera à Paris (chez Bernheim-Jeune en février 1921) et Strasbourg (habituellement à la Maison d'Art Alsacienne, 6 rue Brûlée) jusqu'en 1934. Paul Welsch « reconstruit en architecte la nature, soumettant formes, lumière, couleurs à la discipline austère, d'une grande distinction. Lui est resté fidèle à l'un des préceptes du Maître d'Aix : faire du Poussin d'après nature » observe pour sa part Robert Heitz. Après la guerre, l'artiste s'installe à Paris.

Paul Welsch illustre en 1920 son premier livre, Les bourgeois de Witzheim d'André Maurois, dans un esprit proche de Hansi. La même année, il séjourne huit mois en Tunisie qu'il transcrit dans une peinture sobre, grave et lumineuse, loin de tout orientalisme de bazar. Il participe cette année-là avec deux toiles au Salon tunisien puis exposera le fruit de ce travail - « des toiles d'une rare sobriété de couleurs, aux lignes de force puissantes réduites à l'essentiel » restitue Gérald Schurr - en la galerie Bernheim-Jeune à Paris en février 1921).

"Boulevard Saint-Jacques à Paris". Huile sur toile, 1927.

Galerie Bernheim-Jeune

Il effectue dès 1921 un premier séjour à Saint-Tropez où il reviendra régulièrement. Sa peinture n'est pas insensible aux courants de l'époque : Albert Marquet, André Derain ou Henri Matisse. « Welsch [dans Le palmier] cherche moins une émotion que l'architecture impeccable du tableau, le contraste des formes […] qui, à cette époque de sa carrière, le rapproche du cubisme » constate Robert Heitz dans La peinture en Alsace. Il explore les paysages du sud : Paysage au bord du Loup (1922), Paysage à Florence (1922), Paysage à la Gaude (1923), Citadelle à Corte (1925). Un voyage en Italie lui permet d'approfondir sa connaissance des peintres de la Renaissance, plus particulièrement Masaccio. Dès 1922, il devient sociétaire du Salon d'automne de Paris, participe au 33^e Salon des indépendants et, en 1923, au Salon des Tuileries. Paraît cette même année son deuxième livre illustré : Amis et amiles d'Assenet, sept bois originaux aux traits géométriques, proches du vitrail.

Saont-Tropez

Place des Lices à Saint-Tropez

"Moulin de Guimalet en Dordogne" Huile sur toile, 1944

Paul Welsch abandonne progressivement dans ses toiles, à partir de 1924, cette géométrie appuyée. Il se tourne vers un style plus dépouillé : limitation des couleurs (bleus, bruns, verts), formes simplifiées mais souples. Au Salon des Indépendants de 1925, Raymond Régamey repère un Vendanges à Capri « très sobre et noble de lignes […] avec cet art déroutant au premier coup d'œil de rendre par des demi-teintes la forte lumière ». Paul Welsch peint en cette même année 1925 deux panneaux pour le Pavillon de Mulhouse de l'Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes à Paris : L'Eau et La Terre (conservés aujourd'hui au Musée d'Art moderne et contemporain de Strasbourg). L'artiste, à côté des paysages du Midi, se consacre aux teintes sourdes de Paris et d'Alsace, sans négliger la nature morte ou le nu dans lesquels il excelle. L'austérité très attachante de cette peinture culminera dans les toiles du Quercy (Route à Puylaroque, 1927), avec « de lourds paysages au ciel plombé, vides, inquiets, à l'allure lente » (M. K.). Les couleurs vives transpirent à travers la pâte plutôt qu'elles ne s'offrent ostensiblement au regard grâce à une parfaite maîtrise du glacis. Les portraits - des femmes au visage souvent triste - sont transcendés par la souplesse des lignes et l'art de la correspondance des couleurs (Femme au gilet rouge, 1929, Musée d'Art moderne et contemporain de Strasbourg).

Provence -

Bois en couleurs de Paul Welsch.

Le Ballon d'Alsace

Provence

« Les environs de Malaucène dans le Vaucluse » Paul Welsch

Au cours des années 1930, Paul Welsch assied définitivement son style, un réalisme poétique très caractéristique, fait, ainsi que l'observe Maurice Betz dans le catalogue de l'exposition à la galerie Berthe Weill en 1931, d'une « perfection dense, humaine, dédaigneuse de toute éloquence ». Sa formation politique lui permet sans doute de trouver les appuis nécessaires pour participer aux grandes manifestations de son temps : décoration murale pour la Semaine Coloniale de mai-juin 1932, illustration pour les livres d'Armand Megglé portant sur l'Afrique-Occidentale française, l'Afrique-Équatoriale française et la Syrie (1931), La vie aux champs, panneau accroché dans le vestibule du Pavillon d'Alsace lors de l'Exposition Internationale des Arts et Techniques de 1937. On trouve dans cette dernière œuvre les thèmes de l'homme et de la terre qui sont au centre de toute la carrière de Welsch.

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La rue Bonaparte à Paris

"Jeunes femmes dans un intérieur", Huile sur toile, 1938.

"La lecture dans l'atelier" (scène au 88 rue Bonaparte, Paris) Huile sur toile.

Après un bref séjour aux États-Unis évoqué par David Karel, « sans doute à Chicago », et plusieurs séjours à Obernai en Alsace (1935-1939), il est mobilisé sur le front de Lorraine en tant que capitaine de cavalerie, se distinguant en juin 1940 pour sa conduite au feu. Il est fait prisonnier de 1940 à 1941 aux Oflags XVII d'Edelbach et Va de Weinsberg. Il en rapportera de nombreux dessins et aquarelles qui seront exposés à Paris. Durant cette époque, il signe ses œuvres Velche. Il passe le reste de la guerre principalement en Dordogne, à Génis. Les huiles qu'il y peint déclinent à l'infini la gamme des verts, une de ses couleurs de prédilection.

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« Nature morte aux champignons et au couteau » 1946

Après guerre, restitue Jean-Eugène Bersier, « il reprendra avec sa passion contenue, cette sorte d'ardeur réservée qui lui est si personnelle, son métier de peintre et sans doute s'exprimera-t-il en ces dix dernières années mieux encore qu'auparavant, son œuvre calme et profonde va s'enrichir d'une quiétude, d'une sûreté qui ne faibliront pas jusqu'à la fin ». Les dernières œuvres - peintes à Paris, Saint-Tropez ou Malaucène dans le Vaucluse - ne s'écartent guère de celles des années 1930 mais se caractérisent par une gamme plus étendue de couleurs chaudes. Il produit aussi de nombreuses lithographies, majoritairement en noir et blanc mais aussi en couleurs (Le rendez-vous des chasseurs, Salon d'Automne de Paris 1949), et réalise les illustrations de quatre livres : Petits poèmes en prose de Baudelaire (1947) restés semble-t-il inédits ; Le pilier des anges de Claude Odilé (1948) ; Croquis de Provence d'André Suarès (1952), ouvrage pour lequel il se lance dans la technique de la gravure sur bois ; enfin La bonne chanson de Paul Verlaine (1954). En 1953, il réalise encore une vaste peinture murale pour le collège technique hôtelier de Strasbourg (actuellement collège Fustel de Coulanges) qui résume son univers : la vie simple de l'homme dans la nature. Il meurt d'un cancer le 16 juin 1954 à Paris et est enterré au cimetière Saint-Gall de Strasbourg.

PS : Ca peintre me plait beaucoup.................mais il y a un véritable problème pour en avoir des tableaux " exploitables " !

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Tivadar Kosztka Csontváry, peintre hongrois († 20 juin 1919).

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Tivadar Kosztka Csontváry (prononcé [ˈtivɒdɒr ˈkostkɒ ˈt͡ʃontvaːri] ; né en 1853 et mort en 1919) est un peintre expressionniste hongrois des xix^e et xx^e siècles. Csontváry fut l'un des peintres les plus célèbres de Hongrie.

BIOGRAPHIE

Csontváry est né le 5 juillet 1853 à Kisszeben, comitat de Sáros, alors dans le Royaume de Hongrie (actuellement Sabinov, Slovaquie), et mort le 20 juin 1919 à Budapest.

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La gare de l'Est à Budapest la nuit (A Keleti pályaudvar éjjel, 1902)

Ceci est une reproduction photographique fidèle d'une œuvre d'art originale en deux dimensions. L'œuvre d'art elle-même est dans le domaine public.L’auteur est mort en 1919 ; cette œuvre est donc également dans le domaine public dans tous les pays pour lesquels le droit d’auteur a une durée de vie de 100 ans ou moins après la mort de l’auteur.

Ses ancêtres furent des Polonais installés en Hongrie. Malgré ses origines hongroises, Csontváry a grandi dans la langue slovaque et le parlait couramment mélangé à de l'allemand. Il fut pharmacien jusqu'à l’âge de 20 ans.

Pèlerinage vers les cèdres, au Liban (Zarándoklás a cédrusokhoz Libanonban, 1907)

Cèdre solitaire (Magányos cédrus, 1907)

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Pont romain à Mostar (Római híd Mosztarban, 1903)

Quartier du Vieux pont de la vieille ville de Mostar
La ville historique de Mostar, nichée dans la profonde vallée de Neretva, est une ancienne ville frontière ottomane qui s’est développée aux XVe et XVIe siècles, et durant la période austro-hongroise des XIXe et XXe siècles. Mostar se caractérise par ses maisons turques anciennes et par le vieux pont, Stari Most, qui lui a valu son nom. Lors des conflits des années 1990, la majeure partie de la ville historique et le vieux pont du célèbre architecte Sinan ont cependant été détruits. Le vieux pont a été reconstruit et de nombreux édifices de la vieille ville ont été restaurés ou rebâtis avec l’aide d’un comité scientifique international mis en place par l’UNESCO. Le quartier du vieux pont, avec ses caractéristiques architecturales (pré-ottomanes, ottomanes de l’Est, méditerranéennes et d’Europe occidentale), est un exemple remarquable d’occupation urbaine multiculturelle. Le pont reconstruit et la vieille ville de Mostar sont un symbole de la coopération internationale et de la coexistence de diverses communautés culturelles, ethniques et religieuses.

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Printemps à Mostar-1903-musée de Pécs

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Arrivée au mur des Lamentations à Jérusalem, 1904

En 1904–05, les œuvres notables de Csontváry-Kosztka comprenaient Panaszfal («Mur des lamentations»), qui dépeignait une scène lugubre à Jérusalem; Nagy-Tarpatak-vízesés

Le mur des Lamentations à Jérusalem, également appelé Mur occidental, ou HaKotel en hébreu, est un vestige du second temple de Jérusalem, tel qu'il a été reconstruit et embelli par Hérode à partir du I^er siècle avant J.-C. Le temple fut cependant détruit en 70 après J.-C., lors de la guerre judéo-romaine. Le pan toujours visible aujourd'hui constitue la partie inférieure du mur de soutènement de l'esplanade qu'Hérode avait fait agrandir lors des travaux.

La signification du mur des Lamentations à Jérusalem

De nos jours, le mur des Lamentations à Jérusalem représente le lieu le plus sacré pour les juifs, en raison de sa proximité avec le Saint des Saints, un haut lieu du judaïsme. Il constitue ainsi un endroit où l'on vient prier et où certains juifs inscrivent leurs prières sur des papiers qu'ils insèrent dans les fissures entre les pierres. L'esplanade est également un lieu de rassemblement et de célébration, que ce soit pour des événements d'envergure nationale ou simplement des bar-mitsvah.

Le Prophète priant - 1903

Le Mont des Oliviers à Jérusalem

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Le puits de Maria à Nazareth

Durant une après-midi ensoleillée, le 13 octobre 1880 – alors qu'il n'avait que 27 ans –, il eut une vision mystique. Il entendit une voix lui dire : « Tu seras le plus grand des peintres de l'écliptique, encore plus grand que Raphaël ! » ("Te leszel a világ legnagyobb napút festője, nagyobb Raffaelnél!")
”Il passa des journées entières en Europe, visitant les galeries d'art de la cité du Vatican. Dès 1890, il voyagea à travers le monde. Il visita Paris, les pays méditerranéens (Dalmatie, Italie, Grèce), l'Afrique du Nord et le Moyen-Orient (Liban, Palestine, Égypte, Syrie).

Panorama de Selmecbanya

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Rue dans Athènes

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Ruines du Temple de Jupiter à Athènes

Agenda Tivadar+Kosztka+Csontv%C3%A1ry-Storm+On+The+Hortob%C3%A1gy

Tempête sur le Hortobagy

Parc national de Hortobágy - la Puszta Le paysage culturel de la puszta de l'Hortobágy est une vaste étendue de plaines et de marécages dans l'est de la Hongrie. L'utilisation traditionnelle des terres à des fins telles que le pâturage des animaux domestiques y a été perpétuée par une société pastorale pendant plus de deux mille ans.

LA PUSZTA, est une immense PLAINE DE HONGRIE - Et le Hortobagy est un immense Parc Naturel de préservation des Espèces !

Cascade à Schaffhouse, Hongrie - 1903

Un vieil " Enseignant " au Maroc

Il réalisa ses plus grands travaux entre 1903 et 1909. Certaines de ces œuvres ont été exposées à Paris (1907) et en Europe de l'Ouest. De nos jours, un musée lui est consacré à Pécs.

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Vieille femme épluchant des pommes

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Jeune-femme assise près de la fenêtre

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Philipp Otto Runge, peintre allemand

Philipp Otto Runge, né le 23 juillet 1777 à Wolgast et mort le 2 décembre 1810 à Hambourg, est un peintre, dessinateur, écrivain et théoricien de l’art allemand, considéré comme l'un des plus grands représentants de l’art romantique avec Caspar David Friedrich.

BIOGRAPHIE

Né dans une famille protestante de charpentiers de marine, Runge décide de devenir artiste après avoir lu des poèmes de Tieck malgré une enfance sans initiation artistique formelle, rythmé par la lecture de textes luthériens. Cette période impactera sa production artistique, il sera notamment influencé par Ludwig Gotthard Kosegarten pendant son adolescence. Ses débuts artistiques sont caractérisés par des découpages de silhouettes de papier, très souvent blanches sur fond bleu. Il découpe essentiellement des plantes, des animaux et des personnages.
En 1795 Runge devient assistant dans la compagnie de son frère Daniel Runge. Il rencontre Friedrich Perthes, un libraire qui l'introduira à Friedrich Klopstock, un poète qui fera faire à Runge ses premiers pas dans la sphère artistique. C'est le collectionneur Johann Michael Speckler qui lui donnera goût au romantisme.
Runge prend ses premières leçons artistiques en 1797 à Hambourg. Il étudie le dessin avec Heinrich Joachim Herterich puis Gerdt Hardorff. Il étudie à l'académie de Copenhague (1799-1801) sous la direction de Jens Juel et Nicolai Abildgaard. Il y prendra des cours traditionnels qu'il trouvera trop restrictifs à son goût, ce qui le poussera à s'orienter vers un style romantique. En effet, Runge est impressionné par les dessins illustrant l'Iliade par Flaxman. Il trouve son style artistique impressionnant et rejette les principes académiques.
Runge s'installe à Dresde en 1801 où il fait la connaissance de Caspar David Friedrich avec qui il critique le style et la peinture traditionnelle; sa perception de l'art prend un tournant subjectif et allégorique.

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Autoportraits...

Les parents du peintre

En 1803, il déménage pour Hambourg. Runge avait un état d'esprit mystique et panthéiste et a essayé de rendre dans son œuvre l'harmonie de l'univers en utilisant le symbolisme de la couleur, des formes et des nombres. Il a aussi écrit de la poésie et projeta dans ce but une série de quatre tableaux intitulée Les Heures du Jour, destinée à être exposée dans un bâtiment gothique spécialement construit pour l’œuvre et accompagnée de musique et de poésie1. Il cherchait ainsi à atteindre l'« art total » comme d'autre artistes romantiques. Pour ce faire, et après sa rencontre avec Goethe (qui l'influencera beaucoup dans ses recherches à propos de la théorie des couleurs), Philipp Otto peint une première version du Matin en 1808 (Kunsthalle de Hambourg), puis une deuxième en 1809 qui restera inachevée.

Le Matin

Les autres moments de la journée (le Midi, le Soir et la Nuit) sont restés au stade d'esquisses.

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Portrait de Pauline

" Nous trois "

Nous trois est un tableau du peintre allemand Philipp Otto Runge qui était exposé a la Kunsthalle de Hambourg. Le tableau a été détruit en 1931 lors de l'incendie du Palais des glaces de Munich. Seul un dessin préparatoire de l'artiste, daté du 7 février 1805, est conservé.

Destiné aux parents de Runge, le tableau a été achevé à l'automne 1805. Vêtu d'une blouse bleue foncée, l'artiste, à la droite du tableau, regarde le spectateur. Sa tête est légèrement penchée. Sa femme, qui porte une robe jaune dorée se tient à ses côtés. Elle a un bras sur son épaule et penche sa tête vers lui. À gauche se tient Daniel Runge, le frère du peintre, armateur et poète, appuyé sur un chêne.

Pauline et son fils

Le Petit Perthes, 1805 Château de Weimar

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Les enfants de l'artiste, Maria Dorothea et Otto Sigismund, 1809

Les enfants Hülsenbeckschen (1805-1810) Kunsthalle de Hambourg

Runge se marie en avril 1803 avec Pauline Bassenge. Le couple aura quatre enfants, Otto Sigismund en 1805, Maria Dorothea en 1807, Gustav en 1809 et un dernier enfant posthume, Philipp Otto, né le lendemain de la mort de Runge en 1810.
Il mourra de la tuberculose à Hambourg le 2 décembre 1810.
Runge était aussi un des meilleurs portraitistes allemands de son époque; plusieurs de ses portraits sont visibles au Kunsthalle d'Hambourg.

La Leçon du rossignol (1804) Kunsthalle de Hambourg

Le Repos pendant la Fuite en Egypte

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Pierre marche sur l'eau

La sphère des couleurs

La sphère des couleurs de Runge.

En 1810, après plusieurs années de recherche sur les couleurs et de correspondance avec Johann Wolfgang von Goethe, auteur d'un Traité des couleurs, Runge publie Die Farbenkugel (La sphère des couleurs), dans lequel il organise toutes les couleurs dans un schéma en trois dimensions. Les couleurs pures y figurent un grand cercle chromatique où le vert s'oppose au rouge et le jaune au violet autour de l'équateur, entre le pôle noir et le pôle blanc. Le gris se trouve au centre. L'axe central représente l'échelle de valeurs des gris, allant du noir à la base au blanc au sommet. Sur la surface de la sphère, les couleurs sont réparties en allant du noir vers le blanc en passant par les couleurs en sept étapes. Cette sphère préfigure les études psychologiques de Hering et les espaces de description des couleurs par luminosité, teinte et saturation du siècle suivant, mais, comme Goethe, Runge prétend atteindre, par l'ordre des couleurs, une réalité supérieure, en quoi il se sépare de Johann Heinrich Lambert et de Tobias Mayer autant que de Isaac Newton. Son classement des couleurs débouche sur des principes esthétiques. Les couleurs se juxtaposent suivant trois principes : la monotonie, quand elles suivent la progression de celles de l'arc-en-ciel, l’harmonie, quand on passe d'une couleur à sa complémentaire, l'union des deux ouvrant vers le centre gris de la sphère, et la disharmonie, qui laisse l'œil insatisfait, lorsqu'on saute d'un tiers de circonférence, du rouge au bleu, ou du vert au violet. Runge appliquera ces principes dans ses derniers ouvrages, d'inspiration symboliste.

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Mère Terre et ses enfants, 1803

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La Vierge de &39;Repos dans la fuite vers l'Egypte - détail

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Amaryllis Formosissima, 1808, Philipp Otto Runge

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Modérateur

Sottement, mauvaise maneuvre.....tout est parti !
DESOLEE !!!

Sujet :

Albert Edelfelt...peintre finlandais !

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