Agenda

Jeunesse et formation (1847-1870)

La vie itinérante (1870-1884)

Max Liebermann. Les plumeuses d’oies (1871-72). Huile sur toile, 119,5 × 170,5 cm, Alte Nationalgalerie, Berlin.
 En 1871, Liebermann rencontre le peintre hongrois Mihály Munkácsy (1844-1900). L’un des tableaux du peintre, représentant des femmes filant la laine, séduit particulièrement Liebermann. Au cours de la même année, il séjourne aux Pays-Bas (Amsterdam, Scheveningen) où il peut observer des scènes de travail de la paysannerie locale. Dans les mois qui suivent, il peint Les plumeuses d’oies, première huile de Liebermann, dont le style aux couleurs sombres doit beaucoup à l’influence que Rembrandt exerçait sur le jeune artiste.

Liebermann persiste cependant dans la veine réaliste. Pendant quelques années, il représentera des hommes et des femmes au travail. Le rejet de ses œuvres en Allemagne conduit le peintre à s’installer à Paris en 1873. Il loue un atelier à Montmartre, mais la récente guerre franco-allemande rend les rapports avec le milieu artistique français problématiques. Au cours de l’été 1874, il se rend à Barbizon pour étudier la peinture réaliste de paysage. Ce séjour lui permettra de diversifier sa thématique vers les peintures de plein air, tout en restant dans le réalisme. En butte à l’ostracisme des peintres français qui refusent de fréquenter un allemand, il quitte Paris.

Au cours des années suivantes, plusieurs voyages élargissent sa culture artistique. En 1875 et en 1876, il découvre les tableaux de Franz Hals à Zandvoort, qui auront une grande influence sur son art de portraitiste. En 1878, il voyage en Italie et en particulier à Venise où il rencontre un groupe de peintres munichois appartenant à l’école naturaliste bavaroise. Il suit ces artistes à Munich.

C’est dans cette ville qu’il réalise en 1879 son tableau Jésus à douze ans au temple, qui suscite des protestations dans toute l’Allemagne. Les propos antisémites ne sont pas rares. Cette peinture ayant été réalisée sur la base de dessins pris sur le vif dans des synagogues, Jésus y apparaît comme un jeune garçon juif entouré de ses coreligionnaires. Les politiciens conservateurs et les représentants du christianisme n’ont pas de propos assez durs pour Libermannn tandis que le prince-régent de Bavière, Léopold (1821-1912), et quelques peintres comme Friedrich von Kaulbach et Wilhelm Leibl, le soutiennent.

Max Liebermann. Jésus à douze ans au temple (1879). Huile sur toile, 149,6 × 130,8 cm, Hamburger Kunsthalle, Hambourg. 
« Cette peinture, qui représente Jésus enfant dans une sombre synagogue et entouré de scribes en costumes de juifs pauvres, a déclenché un scandale de portée nationale lors de l’Exposition internationale d’art de Munich en 1879. C’est surtout le traitement naturaliste de Jésus comme un garçon aux pieds nus avec des boucles noires qui était perçu comme un dénigrement de la religion chrétienne par un peintre juif. Les milieux ecclésiastiques ainsi que la critique établie ont considéré qu’il y avait une provocation délibérée de Liebermann. Avec la transposition contemporaine de l'un des sujets les plus populaires de l'art chrétien, il a fait du fils de Dieu un « garçon juif malpropre » (Friedrich Pecht) et a déplacé « la scène dans une véritable synagogue d’une petite ville polonaise » (Ludwig Pietsch). L'indignation publique alimentée par le sentiment antisémite était si grande que même le Parlement de l'État bavarois se prononça sur le sujet et remit en cause son soutien financier futur aux expositions artistiques. Profondément blessé, Liebermann quitta Munich pour Dachau et répondit à la critique massive par des modifications importantes du personnage de Jésus. (Jenns Howoldt) » (Commentaire Hamburger Kunsthalle)

Au cours de l’été 1880, il fait un séjour aux Pays-Bas et réalise Maison de retraite à Amsterdam qui le rattache vraiment à l’impressionnisme par l’importance accordée à l’étude de la lumière et l’utilisation d’une palette plus claire.

Max Liebermann. Maison de retraite à Amsterdam (1880). Huile sur toile, 53,5 × 71,5 cm, collection particulière. 
Au cours de l’été 1880, Libermann séjourne à Amsterdam. Le hasard veut qu’il passe devant une maison de retraite possédant un parc. Il observe les pensionnaires vêtus de noir sous le feuillage des grands arbres. Cette image le marque et il cherche à représenter la lumière qui filtre à travers les feuilles pour rebondir sur les costumes sombres des retraités. Ce premier tableau véritablement impressionniste sera chaleureusement accueilli au salon officiel de Paris en 1880.

Le tableau est très bien accueilli au Salon de 1880 à Paris. Il participe à nouveau au Salon officiel parisien en 1882 avec des tableaux impressionnistes. Les souvenirs de la guerre s’éloignant, le milieu artistique français le consacre enfin comme un grand artiste du courant impressionniste. Liebermann n’abandonne pas pour autant ses scènes réalistes, mais ses études de la lumière constitueront désormais une des caractéristiques principales de son œuvre.

Le retour à Berlin et la Sécession Berlinoise (1884-1911)

En 1884, Liebermann quitte Munich pour retrouver Berlin, sa ville natale. En septembre de cette même année, il épouse Martha Mackwald, la sœur de sa propre belle-sœur. La fille unique du couple naît en août 1885. Liebermann est admis à l’Association des Artistes Berlinois et participe en 1886 à l’exposition du Salon des Beaux-arts de Berlin où la critique l’accueille favorablement.

En 1889, se tient à Paris une Exposition universelle célébrant le centenaire de la Révolution de 1789. Max Liebermann et deux autres peintres allemands sont désignés comme membres du jury. Cette participation soulève de vives protestations à Berlin où la Révolution française est appréhendée négativement. La plupart des monarchies européennes refusent d’ailleurs de participer à l’évènement, qu’il s’agisse des britanniques, des austro-hongrois ou des russes. Liebermann souhaite présenter à Paris les grands noms de la peinture allemande et se faire connaître à cette occasion d’un public français beaucoup plus large. Il reçoit une médaille d’honneur mais refuse la Légion d’honneur pour ne pas s’aliéner le gouvernement prussien, dont le ministre de l’Éducation et de la Culture, Gustav von Goßlern, l’avait soutenu officieusement dans son entreprise parisienne.

Max Liebermann est désormais un artiste reconnu internationalement.

La mère de Max Liebermann meurt en 1892 et son père en 1894. Il hérite alors d’une fortune importante et de l’hôtel particulier de la Pariser Platz dans lequel il aménage un atelier.

En 1892, onze peintres berlinois fondent un groupe qui aboutira en 1898 à la Sécession Berlinoise (Berliner Secession), association souhaitant remettre en cause la peinture académique qui dominait largement l’art allemand. Max Liebermann joue un rôle de premier plan au sein de ce mouvement, aux côtés de Paul Cassirer (1871-1926), critique d’art. Pendant cette période, Liebermann réalise des toiles de tendance impressionniste mais également de nombreux portraits. Il devient le peintre le plus en vue à Berlin et même les milieux officiels le reconnaissent. En 1897, pour son cinquantième anniversaire, l’Académie des Beaux-arts lui consacre une exposition : trente toiles et de nombreux dessins et gravures sont présentés. En 1898, il devient professeur à l’Académie et reçoit la grande médaille d’or.

Max Liebermann. Garçons se baignant (1898). Huile sur toile, 113 × 152 cm, Neue Pinakothek, Munich. 

Dans la décennie 1890, Liebermann éclaircit beaucoup sa palette, se rapprochant ainsi de l’impressionnisme français. Degas fit l’éloge de ce tableau en 1898 et Liebermann publia un article sur Degas la même année dans le périodique Pan.

La première exposition de la Sécession Berlinoise a lieu en 1899. Les débats font rage à Berlin entre les partisans des tendances artistiques émergentes et les conservateurs. La Sécession poursuivra ses expositions les années suivantes avec un succès croissant.

De l’imagination en peinture (Die Phantasie in der Malerei), premier article de Liebermann en tant que professeur à l’Académie des Beaux-arts de Berlin, paraît en 1903. Pour Liebermann, la création doit provenir de l’observation du réel. Il rejette donc toute évolution vers l’art abstrait et en particulier l’expressionnisme. Cette prise de position met en évidence les oppositions internes à la Sécession Berlinoise. Elle débouchera en 1910 sur la scission du mouvement entre impressionnistes et expressionnistes. Emil Nolde (1867-1956) sera le chef de file du courant expressionniste et Liebermann le leader du courant impressionniste. Malgré des prises de position très tranchées de Nolde contre Liebermann (« Son œuvre s’effrite et s’effondre ; il essaie de la sauver, devient nerveux et emphatique. »), Liebermann votera en 1910 contre l’exclusion de Nolde de la Sécession. Mais celle-ci est acquise par quarante voix contre deux. Nolde crée alors la Nouvelle Sécession à laquelle se rallieront l’association des artistes munichois et les membres du courant Die Brücke (Le Pont) fondé à Dresde en 1905.

Le 16 novembre 1911, Liebermann abandonne la présidence de la Sécession Berlinoise.

La Guerre et la montée du nazisme (1911-1935)

Après son départ de la Sécession, Liebermann s’absente de plus en plus souvent de Berlin pour vivre dans sa maison de campagne, sur les rives de lac Wannsee, non loin de Berlin. Cette belle villa a été transformée en musée.

La villa Liebermann sur le lac Wannsee

Pendant la Première Guerre mondiale, il se comporte en patriote et collabore par des illustrations à l’hebdomadaire de Paul Cassirer, Kriegszeit – Künstlerflugblätter. Au début de la guerre, il rejoint la Société allemande, association de tendance libérale conservatrice. Il devient également de plus en plus le portraitiste de la haute société berlinoise. En 1916, il développe son article De l’imagination en peinture (Die Phantasie in der Malerei) pour le publier sous forme d’un essai. Une grande rétrospective de ses œuvres a lieu en 1917 à Berlin, où plus de deux-cents toiles sont exposées à l’initiative de l’Académie des Beaux-arts.

Les troubles révolutionnaires qui secouent l’Allemagne après la guerre inquiètent beaucoup Liebermann qui est un humaniste libéral. Ces troubles mettent fin à l’Empire et débouchent sur l’instauration de la République de Weimar, régime parlementaire qui ira de crise en crise jusqu’à l’accession au pouvoir d’Adolf Hitler en 1933.

En 1920, Liebermann est nommé Président de l’Académie des Beaux-arts. Bien que n’appréciant pas l’expressionnisme, son esprit libéral le conduit à lui faire une place. Il déclare ainsi dans le discours d’ouverture d’une exposition de l’Académie : « Quelqu'un qui a fait l'expérience, dans sa jeunesse, du rejet de l'impressionnisme, se gardera bien de condamner un mouvement qu'il ne comprend pas ou ne comprend plus, notamment en tant que directeur de l'Académie, qui, aussi conservatrice soit-elle, se figerait totalement si elle désapprouvait systématiquement la jeunesse. »

En 1922, son neveu Walther Rathenau, qui était la cible des groupuscules violents d’extrême-droite et d’extrême-gauche, est assassiné par des membres du groupe terroriste d’extrême-droite Consul. Liebermann est profondément bouleversé par cet évènement. En 1924, il perd son frère cadet Felix et un ami proche, Hugo Preuß, juriste et homme politique. Il privilégie dès lors une vie plus retirée. Il confie dans un article du  Jüdisch-Liberale Zeitung paru en 1926 que la foi a une grande importance pour lui.

En 1927, son 80e anniversaire est célébré par une exposition d’une centaine de ses peintures. Albert Einstein et Thomas Mann  font son éloge. La ville de Berlin lui décerne le titre de citoyen d'honneur et le Président du Reich Paul von Hindenburg le décore de la Grande Croix de l'ordre de l'Aigle germanique.

Gravement malade en 1932, il quitte son poste de Président de l’Académie et devient Président d’honneur. Il retrouve la santé, mais assiste en 1933 à la prise du pouvoir par les nationaux-socialistes et voient les vainqueurs défiler devant son domicile de la Pariser Platz. Il prononce alors cette phrase en dialecte berlinois : « Je ne pourrai jamais assez manger pour vomir autant que je le souhaite. » Le 10 mai 1933, dans Berlin et 21 autres villes, des dizaines de milliers de livres sont brûlés sur des buchers organisés par des membres du parti national-socialiste dans le cadre d’une action voulue par Hitler contre « l’esprit non allemand ». A la suite de cet autodafé, Liebermann démissionne de toutes ses fonctions officielles.

Il décède le 8 février 1934 dans son hôtel particulier de la Pariser Platz. Les médias, sous contrôle nazi, évoquent à peine son décès. L’Académie refuse d’honorer son ancien Président. Aucun représentant officiel n’est présent à son inhumation au cimetière juif de la Schönhauser Allee.

Son épouse Martha se suicidera en 1943, alors qu’elle devait être envoyée dans un camp de concentration. Les tableaux de Liebermann appartiennent à ce que les nazis appelaient « art dégénéré ». L’héritage du peintre, comportant une vaste collection de tableaux impressionnistes et réalistes, a donc été confisqué par le Reich.

OEUVRE

Max Liebermann est considéré, avec Max Slevogt (1868-1932) et Lovis Corinth (1858-1925), comme l’un des principaux représentants de l’impressionnisme allemand. La première influence artistique vient de la peinture hollandaise. Liebermann est un admirateur de Rembrandt et de Franz Hals. Les portraits de ce dernier auront une influence importante sur les siens. Le réalisme de ses débuts se situe donc historiquement dans le sillage de la peinture flamande et néerlandaise. Il choisit pour thèmes le travail manuel des hommes, qu’ils soient paysans, artisans ou ouvriers, donnant ainsi une connotation sociale à sa peinture. Les couleurs sombres prédominent d’abord, puis les effets de lumière deviendront l’un des aspects importants de son travail.

Le rejet dont il fut victime à ses débuts tient au choix de cette thématique, qui heurtait la prééminence de l’art académique allemand orienté vers la peinture d’histoire. Une toile aussi grande que Les plumeuses d’oies (119 × 170 cm) n’était admise en 1872 que pour l’histoire, la religion et la mythologie, mais en aucun cas pour une scène de genre paysanne. Millet s’était heurté en France, en 1857, aux mêmes réticences pour Des glaneuses.

La découverte de l’impressionnisme français dans la décennie 1870 infléchit son style, mais il conserve une prédilection pour les scènes de genre consacrées au travail. La recherche d’une représentation exacte du réel cède cependant la place à une peinture de la perception, comportant un assemblage suggestif de touches de couleurs et une omniprésence des effets d’ombre et de lumière.

A la fin du 19e siècle, la Sécession Berlinoise, dont il prendra la tête, le conforte dans sa recherche de la représentation subjective d’un instant de la réalité extérieure. Il exclut toute orientation vers une peinture de l’intériorité rejetant l’observation exacte du réel. Ainsi, expressionnisme et art abstrait seront tolérés par l’académicien mais jamais compris.

Max Liebermann. Terrasse de restaurant sur l’Havel (1916). Huile sur toile, 71 × 87 cm, Nationalgalerie, Berlin. Ce restaurant est situé sur les bords de la rivière Havel.

Les thèmes sociaux de sa jeunesse cèdent la place à partir de la décennie 1890 à une peinture des loisirs de la bourgeoisie (promenades, restaurants, plages, courses de chevaux, etc.). Il devient le grand peintre des scènes de plein air comportant souvent des effets de lumière à travers le feuillage des arbres. Mais un second aspect de son œuvre prend également de l’importance : le portrait. Liebermann est, au début du 20e siècle, le portraitiste favori de l’aristocratie et de la haute bourgeoisie allemandes.

Grand bourgeois libéral par ses origines et son mode de vie, Max Liebermann, travailleur acharné, est devenu un peintre maîtrisant un vaste registre : scènes de genre, paysages, portraits, dessins, lithographies. De confession juive, il voit avec effarement la montée du nazisme et l’éviction violente de « l’art dégénéré », qu’il avait contribué toute sa vie à faire naître.

Scènes de genre et paysages

 Max Liebermann. Travailleurs dans un champ de betteraves (1874-76). Huile sur toile, 99 × 209 cm, Niedersächsisches Landesmuseum Hannover. 

Pendant toute sa jeunesse, Liebermann privilégie une thématique sociale : artisans, ouvriers, paysans au travail. L’évolution stylistique est notable par rapport à la première toile ci-dessus. Liebermann s’est en effet installé à Paris et a visité Barbizon, lieu de naissance du réalisme français au 19e siècle. L’influence de l’impressionnisme français naissant est perceptible dans le flou du paysage et dans l’intérêt porté aux reflets de la lumière sur les vêtements des travailleurs.

Max Liebermann. Ecole de couture en Hollande (1876). Huile sur bois, 64,5 × 81 cm, Von-der-Heydt-Museum, Wuppertal. 
L’influence de l’impressionnisme français s’accentue ici, bien que l’artiste reste attaché aux thèmes sociaux. D’une part, le projet pictural concerne la représentation de la lumière, qui pénètre dans la pièce de façon atténuée par de grandes fenêtres. D’autre part, les gestes des couturières sont suggérés avec une grande habileté, mais les figures restent floues et ne constituent en réalité qu’un ensemble de taches blanches, ocre, roses et noires, parfaitement agencées pour produire l’effet recherché. Par exemple, le détail des doigts n’apparaît absolument pas, mais l’impression de mouvement est perceptible par l’observateur.




Max Liebermann. Les faiseuses de conserves (1879). Huile sur bois, 49 × 65 cm, Museum der bildenden Künste, Leipzig. 
Liebermann est apparu aux connaisseurs de l’époque comme le peintre de la lumière intérieure. Alors que la plupart des impressionnistes français se faisaient un devoir de peindre en extérieur, sur le motif, pour capter au mieux les effets de la lumière naturelle sur les objets, Liebermann étudie dans toutes ses scènes de travail la lumière à l’intérieur de la pièce. En ce sens, il est proche de Degas, qu’il admire, et assez éloigné de Monet et de ses paysages. Mais il éclaircira beaucoup sa palette par la suite en peignant des scènes de plein air.






Max Liebermann. La boutique du cordonnier (1881-82). Huile sur bois, 64 × 80 cm, Alte Nationalgalerie, Berlin. 
C’est au cours de son voyage aux Pays-Bas en 1880, dans le village de Dongen, que Liebermann réalise des études en vue de ce tableau. La scène de genre réaliste mettant en scène des artisans au travail correspond à l’orientation thématique de ses tableaux de jeunesse, mais il cherche principalement ici à représenter la lumière qui envahit l’atelier.






Max Liebermann. La grange au lin (1887). Huile sur toile, 135 × 232 cm, Alte Nationalgalerie, Berlin. 
Liebermann retourne à Laren, aux Pays-Bas, pendant l’été 1886. La culture du lin dans cette région nécessite un travail ultérieur important pour produire des fils. L’artiste s’intéresse à ces travaux réalisés par des ouvrières et prend des esquisses en vue d’un tableau qu’il achève au printemps 1887. Celui-ci est exposé au Salon de Paris de 1887 mais y reçoit un accueil peu enthousiaste. Il est en revanche admiré par le peintre allemand Adolf von Menzel (1815-1905), initiateur en Allemagne des scènes de genre réalistes, qui considère que Liebermann est « le seul à représenter des hommes et non des modèles ». Ce grand tableau cherche à allier, comme de nombreux autres, le thème du  travail manuel et l’étude de la lumière. Son originalité réside dans un choix d’une palette restreinte (ocre, noir, blanc) qui produit cependant une forte impression de luminosité.





Max Liebermann. Dans le champ (1890). Pastel sur papier, 54 × 79 cm, musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg. 
Ce pastel est l’une des dernières œuvres de Liebermann traitant du travail des artisans, des ouvriers ou des paysans. Le style est nettement impressionniste.






Max Liebermann. Brasserie de campagne à Brannenburg (1893). Huile sur toile, 70 × 100 cm, musée d’Orsay, Paris. 
« En général, l'espace, rythmé de rangées d'arbres traversés par le soleil, est un sujet constant dans l'œuvre de Liebermann. Cependant, à l'époque de ce tableau, ce motif ne constitue jamais un paysage pur, mais s'accompagne comme ici d'une scène grouillante de détails anecdotiques et de mouvements. Cette caractéristique situe alors Liebermann dans l'orbite d'un Menzel (1815-1905), de par son sens aigu de l'observation et sa capacité à reproduire des scènes de la vie quotidienne. » (Commentaire musée d’Orsay)






Max Liebermann. La promenade aux perroquets (1902). Huile sur toile, 88 × 73 cm, Kunsthalle, Brême. 
Les dix années qui ont suivi la première exposition de la Sécession Berlinoise en 1899 peuvent être considérées comme l’apogée de l'impressionnisme allemand. Cette promenade, où ont été placés des perroquets, se trouvait au zoo d’Amsterdam.




Max Liebermann. La terrasse du restaurant Jacob à Nienstedten-sur-Elbe (1902-03). Huile sur toile, 70 × 100 cm, Kunsthalle, Hambourg. 

Comme dans Brasserie de campagne à Brannenburg (ci-dessus), Liebermann restitue toute la poésie de la lumière solaire filtrant à travers le feuillage. Cette toile très célèbre montre que l’artis
te reste fidèle à un style qu’il maîtrise à merveille au moment où la Sécession Berlinoise est aux prises avec des querelles intestines sur des problématiques d’avant-gardisme.






 Max Liebermann. La plage de Nordwijk (1908). Huile sur toile, 66 × 81 cm, Niedersächsisches Landesmuseum, Hanovre. 
Nordwijk est une station balnéaire néerlandaise que fréquentait Liebermann. Le tableau fait partie d’une série consacrée aux plages, permettant à l’artiste d’utiliser des couleurs claires et de suggérer le mouvement des promeneurs ou des enfants jouant avec le sable par de simples esquisses des personnages.





 Max Liebermann. Aux courses (1909). Huile sur bois, 53 × 74 cm, Kunstmuseum, Winterthur. Étude du mouvement des chevaux franchissant une haie.

Portraits

Max Liebermann. Max Linde (1897). Huile sur toile, 84 × 66,5 cm, Museum Behnhaus Drägerhaus, Lübeck.

 Max Linde (1862-1940) est un professeur de médecine (ophtalmologie) et collectionneur d’art. Ses frères Hermann et Heinrich étaient peintres. Il fut le mécène d’Edvard Munch.









Max Liebermann. Richard Strauss (1918). Huile sur toile, 116 × 92,5 cm, Alte Nationalgalerie, Berlin. Richard Strauss (1864-1949) est un compositeur et chef d’orchestre allemand.










Max Liebermann. Albert Einstein (1925). Huile sur toile, 75 × 99 cm, collection particulière. 

Albert Einstein (1879-1955) est un physicien d’origine allemande qui inventa la théorie de la relativité. De 1896 à 1901, Il devint apatride en renonçant à la nationalité allemande pour protester contre le nationalisme. Il acquit en 1901 la nationalité suisse puis, en 1940, la nationalité américaine.











Max Liebermann. Paul von Hindenburg (1927). Huile sur toile, 112 × 92,5 cm, Staatliches Museum, Schwerin. Paul von Hindenburg (1847-1934) est un militaire et homme politique allemand. Il fut Président de la République (Reichspräsident) de 1925 à 1934.






Max Liebermann. Ferdinand Sauerbruch (1932). Huile sur toile, 89 × 117 cm, Hamburger Kunsthalle, Hambourg. Ferdinand Sauerbruch (1875-1951) est un chirurgien allemand important qui mit au point de nombreuses innovations.



























 

Études et vie à Paris

Par Victor Prouvé le portrait de Jean Prouvé et de Madeleine Schott, sa future femme, se parlant, main dans la main / Crayon, monogramme V.P en bas à droite. 24,5 x 29,5 cm. Provenance : Fonds familial Prouvé -

Retour en Lorraine et l'École de Nancy

Famille

• Hélène (1899-1981) ;
  
• Jean (8 avril 1901, Paris-23 mars 1984, Nancy) qui deviendra architecte ;
  
• Victor Ernest Marcel (1902-1983) né à Sézanne, Marne) ;
  
• Marianne (30 octobre 1905-24 janvier 1994), épouse de l'alpiniste André Georges ;
  
• Thérèse Marie (1910-1993) ;
  
• Henri Georges René André (31 octobre 1915, Nancy-1^er avril 2012, près de Fribourg), qui deviendra également architecte ;
  
• Pierre Louis (1918-1999) né à Carnac, Morbihan).
  

Œuvres

VICTOR PROUVÉ (1858-1943)

Étude pour La Vie, 1897-1898.

Fusain, sanguine et craie blanche sur papier collé en bordure sur carton.

Signé, dédicacé "à Mr Ralph Brown - bon souvenir " et daté 1898 en bas vers le centre.

64 x 81 cm.

Rousseurs et petites taches.

Provenance :

Collection particulière française.

Notre dessin est une étude de l'un des personnages féminins de son magistral décor pour la cage d'escalier d'honneur de la mairie d'Issy-les-Moulineaux, intitulé La Vie. Cette oeuvre classée au titre des Monuments historiques en 2002 exalte la vie ouvrière et les valeurs républicaines sous la IIIème République.

• Les Adieux d'un réserviste ou Pour la patrie, 1887, huile sur toile, Montpellier, musée de l'Infanterie.
  
  

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  • La Vie, 1897, huile sur toile marouflée, escalier d'honneur de l'hôtel de ville d'Issy-les-Moulineaux.
    
    
  • Séjour de paix et de joie ou La Régénération de l'humanité, 1898-1907, huile sur toile marouflée, salle des fêtes de la mairie du 11^e arrondissement de Paris.
    
    
  • La Joie de vivre, 1904, huile sur toile (260 × 50 cm), musée des Beaux-Arts de Nancy, dépôt du musée de l'École de Nancy.
    
    

  
  
  
  
  
  

  

  
  

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  Illustrations et affiches

  
  
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  • E. Chaton, Historique du 2^e bataillon de chasseurs à pied (1914-1918), préface du général Vuillemot, commandant le IV^e corps d'armée, ancien commandant de la 11^e division d'infanterie, dessins et illustrations de Jean Droit, Victor Prouvé, Henri Marchal et du lieutenant M. Bessan, Impr.-éditeurs-Berger-Levrault, Paris, 1922.
    
    
    
  • L'estampille « École de Nancy », vers 1901, timbre sec.
    
    
    
  • André Lichtenberger, Les Centaures, illustrations en gravure sur bois ou sur cuivre, dans la réédition chez Georges Crès en 1924.
    
    
    
  • Affiche de l'Expositions d'art lorrain (5^e exposition du 20 décembre 1909 au 10 février 1910). Henri Royer, Petitjean, Renaudin, Bussière, Jacques Grüber (galerie d'art de la Maison des Magasins réunis), Royer & Cie (Nancy), 1910.
    
    
    
    
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    Les Jumelles Bellieni (1903), affiche.
    
    
    
    
    

  • Dessins et estampes

    
    
    • Étude de femme les yeux fermés, avant 1907, pastel et fusain, Paris, Petit Palais.
      
      
    • Tête de femme, 1908, aquatinte, 42 × 32 cm, n^o inv. 1909.19.1, Nemours, château-musée de Nemours.
      
      
    
    
    
    
    
    
    
    
    
  • Charles Sadoul, eau-forte et aquatinte.
    
    
    
    
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  • Étude de femme les yeux fermés (avant 1907), pastel et fusain, Paris, Petit Palais.
    
    
    
    
    
    
    
  • Il est l'auteur, également, de sculptures, d'Arts décoratifs.....................................etc
    
    
    
    
    
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    La Pensée libre et Le Forgeron (1902), haut-reliefs, Maison du Peuple à Nancy.Les allégories sculptées sont dues à Victor Prouvé
    
  
  
  
  
  
  
  
  
  
  
  
  
  
• Monument commémoratif de la bataille de Nancy (1928), Nancy, place de la Croix-de-Bourgogne.
  
  
  

Les retables

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Retable de San Marco (1438-40). Tempera sur bois, 220 × 227 cm, Museo di San Marco, Florence. Ou Pala di San Marco.

 Ce retable était destiné à l'église du couvent San Marco de Florence. Il est composé d'un panneau central (voir ci-après), de deux pilastres latéraux et d'une prédelle (partie inférieure). Les pilastres représentent huit saints (à gauche de haut en bas : Jourdain de Saxe, Bernard, Roch, Vincent Ferrier ; à droite de haut en bas : Thomas d'Aquin, Romuald, Jérôme de Stridon, Pierre de Vérone). La prédelle est consacrée à des épisodes de la vie de saint Côme (patron des chirurgiens) et de son frère saint Damien (patron des pharmaciens) tous deux martyrisés sous Dioclétien (4e siècle).







Retable de San Marco, panneau central (1438-40). Ce panneau représente une Vierge à l'Enfant entourée de saints. Il s'agit du thème de la Conversation sacrée qui se développait à l'époque : les personnages représentés semblent engagés dans une conversation.









Retable de San Marco, détail de la prédelle (1438-40). ). Tempera sur bois, 37 × 46 cm, National Gallery of Ireland, Dublin. Quatrième image de la prédelle. Côme et Damien sont condamnés au bûcher.







Retable Santa Trinita ou Descente de croix (1437-40). Tempera sur bois, 176 × 185 cm, Museo di San Marco, Florence.

 Ce retable avait été commencé par Lorenzo Monaco (1370-1424) qui fut le maître de Fra Angelico. Celui-ci l'a terminé. Il avait été commandé pour l'église Santa Trinita de Florence. Les pilastres latéraux représentent divers saints et les pinacles (parties supérieures triangulaires) des épisodes de la vie du Christ.









Retable Santa Trinita ou Descente de croix, panneau central (1437-40).

 Scène récurrente dans l'art occidental. Le Christ est mort sur le croix et des personnages saints le descendent avant sa mise au tombeau. Marie-Madeleine tient les pieds du Christ.

 L'arrière-plan paysager provient de l'imagination du peintre et ne prétend pas au réalisme.

Les fresques

Fresques du couvent San Marco de Florence

 Elles figurent parmi les plus belles fresques jamais peintes, probablement parce que Fra Angelico a su transmettre à ce moment de sa vie la quintessence même de son être. Ces scènes bien connues de la tradition chrétienne baignent dans une ambiance d'humilité, de paix, de douceur, d'extrême délicatesse, et constituent, même pour les non-croyants, une formidable leçon d'humanité.

Vue du couvent San Marco de Florence










Fresques de San Marco. La nativité (1440-41). Fresque, 193 × 164 cm, Couvent San Marco, Florence. 

Episode biblique de la naissance de Jésus-Christ. Marie (mère), Joseph (époux de Marie) et quelques personnages saints ainsi que des anges sont en général représentés.










Fresques de San Marco. Lamentation sur le Christ mort (1440-41). Fresque, 184 × 152 cm, Couvent San Marco, Florence. 

Thème récurrent de la peinture occidentale appelé aussi Déploration du Christ. Le Christ est mort, allongé, et des personnages le pleurent. Mantegna (1431-1506), Botticelli (1444-1510), Spada (1576-1622) peindront également une telle lamentation.







Fresques de San Marco. Noli Me Tangere (1440-41). Fresque, 166 × 125 cm, Couvent San Marco, Florence. 

Noli me tangere (« Ne me touche pas ») sont les paroles prononcées par Jésus-Christ ressuscité, le dimanche de Pâques, à l'adresse de Marie-Madeleine.







Fresques de San Marco. Conversation sacrée (v. 1443). Fresque, 195 × 273 cm, Couvent San Marco, Florence. 

La Vierge avec l'Enfant Jésus est entourée de personnages de saints qui semblent bavarder entre eux. Les personnages représentés ne sont pas des contemporains. Le donateur ou le commanditaire est parfois représenté. Ce thème apparaît au 15e siècle.

Les fresques de la chapelle Nicoline au Vatican

Le pape Eugène IV (1383-1447) avait déjà fait appel à Fra Angelico pour peindre des fresques au Vatican, mais c'est pour le pape Nicolas V (1398-1455) qu'il réalisera les fresques de la chapelle Nicoline de 1447 à 1449 environ. Ces dernières sont consacrées à des épisodes de la vie des deux premiers martyrs du christianisme : saint Etienne (lapidé) et saint Laurent (condamné au supplice du gril).

Fresques de la chapelle Nicoline. Ordination de saint Laurent (1447-49). Fresque, 271 × 197 cm, Chapelle Nicoline, Vatican.







Fresques de la chapelle Nicoline. Le martyr de saint Laurent (1447-49). Fresque, 271 × 236 cm, Chapelle Nicoline, Vatican.








Fra Angelico. Fresques de la chapelle Nicoline. Saint Etienne faisant l'aumône (1447-49). Fresque, Chapelle Nicoline, Vatican.








Fra Angelico. Fresques de la chapelle Nicoline. La lapidation de saint Etienne (1447-49). Fresque, 326 × 236 cm, Chapelle Nicoline, Vatican.

L'armadio degli Argenti (Armoire des vases sacrés ou Armoire des ex-voto d'Argent)

Il est probable que les panneaux formant les portes et les volets de cette armoire ont été commandés par Pierre 1er de Médicis (1416-1469). Ils sont décorés de nombreuses scènes d'une taille de 38,5 × 37 cm consacrées à des épisodes de la vie du Christ. Neuf scènes sont attribuées avec certitude à Fra Angelico et forment le panneau de la jeunesse du Christ (123 × 123 cm). Les autres scènes ont été peintes par des artistes plus jeunes. Cette armoire était à l'origine destinée à la Basilique della Santissima Annunziata de Florence et devait être portée pendant les processions. Les panneaux sont actuellement conservés au musée San Marco de Florence.

L'armadio degli Argenti, panneau de la jeunesse du Christ (1451-52). Tempera sur bois, 123 × 123 cm, Museo di San Marco, Florence.














Panneau de la jeunesse du Christ, la fuite en Egypte (1451-52). Tempera sur bois, 38,5 × 37 cm, Museo di San Marco, Florence. 

Le roi Hérode Ier de Palestine, ayant appris la naissance à Bethléem du roi des Juifs, donne l'ordre de tuer tous les enfants de moins de deux ans se trouvant dans la ville. Joseph, prévenu par un songe, s'enfuit avec l'Enfant Jésus et sa mère Marie en Égypte où ils resteront jusqu'à la mort d'Hérode.







Panneau de la jeunesse du Christ, l'Annonciation (1451-52). Tempera sur bois, 38,5 × 37 cm, Museo di San Marco, Florence.

 L'archange Gabriel annonce à la Vierge Marie la naissance prochaine du Christ (maternité divine de la Vierge selon le dogme chrétien). Le thème été traité plusieurs fois Par Fra Angelico (voir ci-dessus l'Annonciation de 1430-32 et celle de 1442-43).







Panneau de la jeunesse du Christ, le massacre des Innocents (1451-52). Tempera sur bois, 38,5 × 37 cm, Museo di San Marco, Florence.

 Le roi Hérode Ier de Palestine, ayant appris la naissance à Bethléem du roi des Juifs, donne l'ordre de tuer tous les enfants de moins de deux ans se trouvant dans la ville. Les chrétiens considèrent ces enfants comme des martyrs et les qualifient de Saints Innocents.

Les miniatures

Elles sont issues du Missel 558 qui est un livre regroupant des chants religieux pour la messe. Il comprend 261 folios dont 36 sont décorés de miniatures ayant pour auteur Fra Angelico et un autre artiste qui l'assistait au couvent San Domenico de Fiesole. La dimension maximum est de 47,5 × 35 cm.

Vierge de la Miséricorde avec frères agenouillés (1424). Tempera et or sur parchemin, 47,5 × 35 cm, Museo di San Marco, Florence. 

La conversion de saint Paul (1424-30). Tempera et or sur parchemin, 47,5 × 35 cm, Museo di San Marco, Florence.

Saint Dominique en gloire (1424-30). Tempera et or sur parchemin, 47,5 × 35 cm, Museo di San Marco, Florence.

 

 

 

Cottages at Barbizon: Evening

Charles-François Daubigny - Galeries nationales d'Écosse












Charles-François Daubigny - Le printemps - 1857 - école de Barbizon









Charles Francois Daubigny - Un verger de pommiers - 


Brooklyn Museum of Art, New York, USA 

Les Bords de l'Oise, huile sur bois, Reims, musée des Beaux-Arts, musée numérique [archive]

Paysage avec laveuses, Reims musée des Beaux-Arts musée numérique [archive]

Œuvre

Charles-François Daubigny
La Neige
En 1873
 Musée d’Orsay, Dist. RMN-Grand Palais 


Représentant la plaine d'Auvers-sur-Oise hantée par les corbeaux affamés durant l'hiver précédent, ce tableau suscita des critiques des plus virulentes lorsqu'il fut présenté au Salon de 1873. Le journaliste Max de Montifaut considérait que "la Neige de M. Daubigny est un morceau de plâtre étalé avec un couteau à palette", tandis que son confrère Duvergier de Hauranne estimait que la toile avait été "exécutée à coups de plat de sabre" et que les arbres avaient été peints "avec un balai de branches de bouleau".

Bénéficiant du statut particulier des artistes précédemment médaillés, Daubigny n'avait pas eu à soumettre son tableau au jury, et pouvait ainsi librement exposer cette oeuvre fort éloignée de la tradition académique du paysage peint en atelier. Le dépouillement du sujet, le jeu des blancs et des noirs posés avec des empâtements nettement visibles, devaient beaucoup aux paysages de neige de Courbet. Mais ils se ressentaient aussi des liens tissés avec Monet en 1870, qui, depuis lors, incitait son aîné à un contact plus direct avec la nature et à un rendu plus spontané de ses impressions. Au même moment, à quelques kilomètres de là, à Pontoise, Pissarro et Cézanne peignaient eux aussi des paysages de neige, mais les jurés du Salon, leur refusant les cimaises officielles, allaient les inciter à créer une exposition à part qui allait être, en 1874, la première exposition impressionniste.