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 Agenda : Ca s'est passé en juin !

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MessageSujet: Agenda : Ca s'est passé en juin !   Agenda : Ca s'est passé en juin ! Icon_minitimeVen 18 Juin 2021 - 17:57

14 juin 1909, décès : Witold Wojtkiewicz, peintre polonais 




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Autoportrait




Witold Wojtkiewicz, peintre polonais (29 décembre 1879, Varsovie - 14 juin 1909, Varsovie) est un représentant de la Jeune Pologne, figure de l'Art nouveau dans ce pays. Mais son œuvre onirique et personnelle le place en réalité à la croisée de plusieurs courants.


BIOGRAPHIE


Witold Wojtkiewicz est atteint d'une grave faiblesse cardiaque à sa naissance en 1879. Il grandit dans une famille nombreuse où le père est employé de banque. Contre l'avis de ce dernier, il entame dès 1897 des études artistiques : il est formé dans la classe de dessin de Wojciech Gerson à Varsovie. Il commence par réaliser des portraits d'élèves de son entourage, puis collabore à des revues satiriques (l'hebdomadaire Kolce, plus tard le bimensuel Liberum Veto).


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crayon - Les enfants de Varsovie


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Croisade des enfants (1905)


Après un bref passage à Saint-Pétersbourg, le temps de découvrir que l'atmosphère de la ville ne lui convient pas, il s'installe en 1903 à Cracovie où il parvient à trouver sa place au sein de la société artistique polonaise. Tout en poursuivant ses études aux Beaux-Arts, il y fait notamment la connaissance de Stanislas Parenski, médecin amateur d'art, et de divers intellectuels dont il fait le portrait. Wojtkiewicz parvient à donner une réelle profondeur à ces tableaux bourgeois en laissant transparaître l'âme des personnages qu'il peint.


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Procession d'enfants (1905)


Peu connu en France, Wojtkiewicz est découvert par André Gide qui tombe sur quelques-unes de ses toiles lors d'un voyage à Berlin en 1907. Enthousiaste, Gide l'invite à exposer à la Galerie Druet : ce sera la seule exposition française de l'artiste, qui meurt deux années plus tard d'une crise cardiaque, à l'âge de 29 ans. (voir Correspondance Gide/Schlumberger 15/04/1907 - Gallimard-)



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Portret Maryny Raczyńskiej.

1905.


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Portrait de Lizy

[

Œuvre



Wojtkiewicz se situe à la croisée du symbolisme et de l'expressionnisme. Son œuvre entretient des liens forts avec ces deux courants dont il est le contemporain, et présente des parallèles avec les préoccupations poétiques et littéraires de son époque. Elle est aussi empreinte de références aux contes et légendes populaires de Pologne.




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Art, musique, folklore...




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Witold Wojtkiewicz : Cirque des fous, de la série Crazy. 1906. Huile sur toile. 90x100cm. Musée national de Varsovie.
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Witold Wojtkiewicz : Cirque - Devant le théâtre. 1907. Huile sur toile. 99,5 x 105,5 cm. Musée national de Varsovie.
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Witold Wojtkiewicz : Pierrot solitaire. 1907. Tempera sur toile. 65x80cm. Musée national de Poznan.


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MessageSujet: Re: Agenda : Ca s'est passé en juin !   Agenda : Ca s'est passé en juin ! Icon_minitimeSam 19 Juin 2021 - 16:19

18 juin 1464, décès : Rogier van der Weyden, peintre flamand


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Né Rogier de La Pasture, il fit traduire littéralement son nom dans sa version flamande « Van der Weyden » lors de son installation à Bruxelles en 1435. La dénomination de Rogier van der Weyden retenue actuellement provient d'un acte notarié signé par le peintre. Il a pourtant continué de signer Rogier de le Pasture dans un autre acte notarié lors de l'héritage d'une tante à Tournai. Il est dénommé en outre « Rogier van Brugghe » par Carel van Mander dans son ouvrage Schilder-boeck, premier dictionnaire biographique de référence sur les peintres néerlandais, flamands et allemands, ou encore « Rogier de Bruxelles »


BIOGRAPHIE

Les débuts à Tournai

Rogier de Le Pasture naît à Tournai vers 1400. La ville est alors une commune autonome dépendant du roi de France. Rogier est le fils du coutelier Henry de le Pasture, mort avant 1426 et d'Agnès de Wattrelos. Peut-être est-il parent d'un certain Coppin de la Pasture, peintre tournaisien mentionné dans une condamnation en 1408. Il entre sans doute assez tôt comme apprenti dans l'atelier de Robert Campin, aussi appelé Maître de Flémalle. Avant 1426, il épouse Isabelle Goffaert, fille d'un riche chausseur bruxellois Jan Goffaert et de Cathelyne van Stockem (ou de Stoquain), probable parente de la femme de Robert Campin.
En 1426, Rogier de le Pasture est apprenti dans l'atelier de Robert Campin, en même temps que Jacques Daret. Selon Albert Châtelet, il était au préalable parti compléter sa formation lors de plusieurs voyages. Très engagé dans la vie politique de la ville, Robert Campin se repose sur cet apprenti déjà expérimenté pour faire fonctionner son atelier. Pour autant, aucune œuvre ne peut être attribuée à Rogier de le Pasture avant 1426. Il est signalé, dans les archives de la ville, comme apprenti dans cet atelier de 1427 à 1432. De cette époque date peut-être la petite Vierge à l'Enfant du musée Thyssen-Bornemisza. En 1432, il obtient le titre de maître dans la Guilde de Tournai. De cette époque date la Descente de croix du musée du Prado, destinée à la chapelle de la confrérie des arbalétriers de Louvain.


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La Descente de croix (entre 1435 et 1438), Madrid, musée du Prado.
Descente de Croix, vers 1435, Rogier van der Weyden (Madrid, Museo del Prado). À part le serviteur qui est derrière la Croix et les deux hommes les plus âgés, tous les assistants sont en pleurs, et les larmes coulent encore sur les joues de la Vierge, bien qu’elle se soit enfoncée sans connaissance. On peut dire que dans ces larmes, perles transparentes nées de l’émotion la plus vive, se condense tout ce que les Italiens admiraient le plus dans la peinture primitive flamande : la brillance picturale et l’intensité du sentiment.

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Toutes les passions, cependant, sont contenues. Il y a une piété tendre dans l’expression de la jeune femme qui soutient la Vierge, une sobre tristesse dans les yeux et la bouche de Joseph d’Arimathie, et la détermination se lit dans le visage crispé de saint Jean. Si expressifs de douleur qu’ils soient, les formes et les mouvements restent dominés par deux grands principes : ils sont restreints par l’espace d’une sorte de bas-relief, ici visiblement ordonné en deux plans ; et ils sont unifiés par le rythme général de courbes dynamiques.








Son origine tournaisienne est attestée par plusieurs documents d'archives. En 1440, il fait rédiger à Bruxelles, en qualité de tuteur de sa nièce (fille de sa sœur germaine Jeanne), une procuration pour la vente d'une maison située à Tournai. Il sera encore question de cet immeuble dans un document rédigé à Tournai en 1426, où sont cités Henri de le Pasture et Agnès Watrelos, père et mère de Jeanne. En 1463, une lettre est adressée par la duchesse de Milan au Magistro Rugiero de Tornay pictori in Burseles. Un registre de la corporation des peintres de Tournai contient son inscription co
mme maître avec la mention natif de Tournai. Enfin, les comptes de la confrérie de Tournai pour 1463-1464 mentionnent en ces termes les frais payés à l'occasion du service funèbre de Rogier Van der Weyden : Item payent pour les chandèles qui furent mise devant saint Luc, à cause de service Maistre Rogier de le Pasture, natyf de cheste ville de Tournay lequel demoroit à Brouselles.


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Marie Madeleine lisant, avant 1438 ?, Rogier van der Weyden (Londres, National Gallery). La belle Maria Madeleine est entièrement plongée dans sa lecture. Elle porte une cape vert olive somptueusement doublée, tandis que sous la cape se cache un encore plus précieux brocart d’or. Marie Madeleine est assise sur un coussin rouge et adossée à une armoire. À côté d’elle se trouve son symbole, le pot à onguent, qui contient le précieux parfum avec lequel elle oindra les pieds du Christ. Son isolement et sa concentration se dégagent également de la forme semi-circulaire donnée par le peintre à son contour.


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Détail montrant le livre de prières, probablement un livre d'heures, recouvert d’un tissu blanc et pourvu de fermoirs en or.








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Tête de saint Joseph (fragment), 21 × 18 cm, Museu Calouste Gulbenkian, Lisbonne. Ce panneau, dont on pense qu’il représente saint Joseph, représente la tête qui correspond au corps que l’on voit dans Marie-Madeleine lisant.














Le peintre officiel de la ville de Bruxelles



.

Dans le courant de l'année 1435, Rogier de le Pasture part s'installer à Bruxelles, dans le Brabant, où son nom sera désormais flamandisé en Rogier van der Weyden. Dès son arrivée, il est nommé peintre officiel de la ville. En avril 1434, la visite officielle du bourgmestre de Bruxelles aurait été l'occasion de débaucher le peintre tournaisien. Cette fonction reste essentiellement honorifique : il ne perçoit officiellement, chaque année, qu'une pièce de drap pour tout salaire, sans aucun revenu régulier. Il obtient tout de même le titre de bourgeois de la ville, qu'il mentionne en 1439.
C'est à titre de peintre officiel que la ville de Bruxelles lui commande de grands tableaux pour la salle principale de l'hôtel de ville. Deux sont réalisés avant 1439, illustrant des épisodes de La Justice de Trajan. Une seconde série, peinte sans doute avant 1454, représente deux scènes de La Justice d'Archambaud. Il s'agit à chaque fois de tableaux destinés à l'édification des magistrats qui rendent leurs jugements en ces lieux. Panneaux de très grande dimension et sans doute pièce maîtresse de van der Weyden, ils ont probablement été détruits en 1695 lors du bombardement de Bruxelles par les troupes françaises et ne sont plus connus aujourd'hui que par des reproductions partielles, sous forme de tapisserie ou de dessin.
Peu de temps après son arrivée, il peint le retable de l'autel de la confrérie des peintres à la collégiale Sainte-Gudule dédié à saint Luc, patron des peintres, auquel il semble avoir donné ses traits. Le tableau est directement inspiré de La Vierge du chancelier Rolin, que le peintre n'a pu observer que dans l'atelier de Jan van Eyck, signe des liens qui unissaient les deux artistes. En 1444, Rogier habite une grande maison de la ville.


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Saint Luc dessinant la Vierge (1435), musée des Beaux-Arts (Boston).


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détail...




Un peintre proche de la cour de Bourgogne




À partir de 1442, sans être peintre officiel de la cour de Philippe le Bon, il répond à de nombreuses commandes de l'entourage du duc. L'année 1441 marque la disparition du peintre officiel Jan van Eyck. Celui-ci n'est pas remplacé, mais le prince n'hésite pas à faire appel à l'artiste le plus en vue de sa ville et résidence favorite. On trouve sa trace en 1446, puis en 1458-1459, dans les comptes du duc pour des réalisations officielles, notamment la peinture polychrome de statues. Mais c'est surtout pour l'entourage du prince qu'il reçoit ses commandes les plus importantes : Le Jugement dernier (vers 1445-1449), pour le chancelier Nicolas Rolin aux Hospices de la ville de Beaune, ou encore Le Retable des sept sacrements pour Jean Chevrot, évêque de Tournai et chef du conseil du duc. Outre ces œuvres de très grande dimension, il réalise aussi des enluminures dans des manuscrits destinés à la bibliothèque ducale. La seule qui lui soit attribuée avec certitude est la miniature de présentation des Chroniques de Hainaut de Jean Wauquelin, datée de 1446-1448.
À la même époque, van der Weyden réalise un portrait de Philippe le Bon, dont on ne conserve aucun exemplaire attesté de sa main. Les différentes répliques d'atelier ont sans doute été réalisées à partir d'un poncif : le maître dessine une esquisse du visage et du buste puis laisse à ses compagnons ou apprentis le soin d'en peindre différentes versions définitives. Ce mode de fonctionnement, fréquent des ateliers contemporains, explique les variations dans la qualité de sa production. Par ailleurs, van der Weyden réalise de nombreux portraits de cour, dont celui de la duchesse de Bourgogne et de son fils, le futur Charles le Téméraire.


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Retable des sept sacrements, musée royal des Beaux-Arts d'Anvers.


Le voyage en Italie




Vers 1450, à l'occasion du Jubilé, van der Weyden part en Italie, très vraisemblablement à Rome et à Florence. Ce voyage est connu grâce au témoignage du napolitain Bartholomeus Facius, dans son De Viris Illustribus de 1456. À cette époque, van der Weyden a déjà eu l'occasion de travailler pour des commanditaires italiens tel Lionel d'Este, mais uniquement par des intermédiaires installés à Bruges. Rien n'est connu des conditions de son voyage : Facius signale que l'artiste bruxellois a pu admirer les fresques de Gentile da Fabriano dans la basilique Saint-Jean-de-Latran.
Seules deux œuvres témoignent d'une influence italienne directe ; elles sont d'ailleurs commandées par des personnalités transalpines. La Lamentation du Christ, conservée à la galerie des Offices de Florence et destinée à la famille Médicis, reproduit un schéma de Fra Angelico issu du panneau central de la prédelle de l'église du couvent San Marco. La Vierge Médicis (Städel Museum, Francfort), commandée par la même famille, reprend la disposition des saints se tenant debout autour de la Vierge, mais cet agencement se rencontre déjà dans quelques retables flamands. Cette influence italienne reste en fait relativement limitée. Elle apparaît aussi dans le Triptyque de saint Jean-Baptiste (Gemäldegalerie de Berlin) : le choix des scènes y est analogue à celui de la porte sud du baptistère Saint-Jean de Florence, due à Andrea Pisano.


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La Mise au tombeau (1450), Florence, galerie des Offices.


Un atelier renommé


  

En décembre 1460, le peintre Zanetto Bugatto, portraitiste officiel de la cour des Sforza, est envoyé à Bruxelles. Le duc de Milan le recommande au duc de Bourgogne pour qu'il se perfectionne auprès de Rogier van der Weyden. Il y demeure jusqu'en mai 1463.
Durant la première moitié de la décennie 1460, l'atelier du peintre continue d'assurer d'importantes commandes : pour des couvents (tel un diptyque pour l'abbaye Saint-Aubert de Cambrai, aujourd'hui conservé au Philadelphia Museum of Art) ou des particuliers (comme le Diptyque à la Vierge de Philippe Ier de Croÿ ou le Portrait de François d'Este).


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Portrait de François d'Este (vers 1460), New York, Metropolitan Museum of Art.


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Charles le Téméraire (vers 1461-1462), Berlin, Gemäldegalerie.








 Sa renommée et son aisance lui permettent aussi de faire des dons : à la chartreuse de Scheut (une Crucifixion de grand format, désormais à l'Escurial) ou encore à la Chartreuse de Hérinnes-lez-Enghien, où son fils Corneille s'est retiré. Au sein de son atelier, Rogier est secondé, depuis au moins 1455, par son fils Pierre, né en 1437.
Rogier van der Weyden meurt à Bruxelles le 18 juin 1464. Il est enterré à l'église Sainte-Gudule, au pied de l'autel de la confrérie des peintres et de son retable.


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Triptyque de Sainte-Colombe (vers 1455), Munich, Alte Pinakothek.


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Pietà (vers 1464), Londres, National Gallery.














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MessageSujet: Re: Agenda : Ca s'est passé en juin !   Agenda : Ca s'est passé en juin ! Icon_minitimeSam 26 Juin 2021 - 17:29

25 juin 2010, décès : Wu Guanzhong , peintre chinois



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Wu Guanzhong (chinois simplifié : 吴冠中 ; chinois traditionnel : 吳冠中 ; pinyin : wú guànzhōng, 29 août 1919 à Yixing - 25 juin 2010 à Pékin) est un grand artiste peintre chinois contemporain et un théoricien qui a travaillé à la modernisation de la peinture chinoise.


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Photo montrant Wu Guanzhong au travail. Photo visible lors de l'exposition de mai 2010 au Hong Kong Museum of Art



BIOGRAPHIE


lI rencontre lors de son service militaire Chu Teh-Chun, les deux artistes peintres y deviennent amis.


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En 1947, il étudie la peinture à l'huile dans l'atelier du professeur Souverpi à l'École nationale des beaux-arts de Paris. En 1950, il revient d'études à l'étranger et enseigne dans les grandes écoles d'art telles que l'Académie centrale des beaux-arts.
Dans les années 1950 et 1970, Wu Guanzhong se consacre à la création de peintures à l'huile de paysages et explore la nationalisation des peintures à l'huile. Il a essayé d'intégrer la nature intuitive et vivante des peintures à l'huile européennes, la richesse et l'exquisité des couleurs de la peinture à l'huile avec l'esprit de l'art traditionnel chinois et des idéaux esthétiques. Depuis les années 1970, Wu Guanzhong s'est progressivement impliqué dans la création de peintures chinoises. Il a essayé d'utiliser des matériaux et des outils traditionnels chinois pour exprimer l'esprit moderne et a exploré l'innovation de la peinture chinoise.


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Wu Guanzhong Zhouzhuang-Huile sur toile-1990


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Wu Guanzhong Brothers and Sisters of Chu Kingdom-42×32-Huile sur toile-1990




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Wu Guanzhong-Neige de Pékin-100×90cm-1994


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Wu Guanzhong Peach Blossom Season-60×50-Huile sur toile-1996








Wu est un artiste chinois très en vue de la fin du xxe siècle. Il est l’un des peintres chinois qui bénéficie d’une audience internationale :

  • En 1992, le British Museum a présenté, pour la première fois, une rétrospective du peintre de son vivant.
  • En 1991, Wu recevait le titre d’Officier des Arts et des Lettres de la part du Ministre de la Culture.

Ses idées sur la modernisation de la peinture chinoise, traitées et publiées dans les magazines d’art, tels certains articles par exemple au sujet du Bi Mo (笔墨 / 筆墨, bǐmò, « pinceau et encre »), ont suscité de nombreux débats entre artistes et critiques d’art chinois. l'article paru dans la revue « Meishu » (美术 / 美術, měishù, « Beaux-arts ») a eu, dès sa parution en 1979, un impact considérable car il portait sur des valeurs formelles alors que celles-ci avaient été condamnées pendant la révolution culturelle. En 1978, de nombreux intellectuels victimes de la révolution culturelle sont réhabilités. L'année 1979 sert aujourd'hui, pour de nombreux analystes et historiens d'art, de point de départ à l'art contemporain chinois, et la position novatrice à ce moment-là de Wu Guanzhong, fut pour beaucoup à cette inversion de tendance.
Le travail de Wu est le fruit de deux influences. Celle de sa propre culture, issue en particulier de l’art lettré, et celle de l’impressionnisme, qu’il a notamment découvert en France.


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La Seine à Paris



Wu a fait preuve d’une maîtrise exceptionnelle dans les domaines de la peinture à l'huile, des lavis, des aquarelles et des croquis. Il aborde ses œuvres sous un angle moderne tout en conservant l’influence de l’esthétique chinoise, fondatrice de sa propre culture.


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Wu Guanzhong, port de Zhoushan, 1980.




De nombreuses ventes aux enchères de ses peintures ont atteint des records (37 millions de yuan ou 3,5 millions d'euros en mai 2007 pour Ville ancienne de Jiahoe), marquant l’histoire du marché de l’art. Sa première exposition en France a eu lieu au musée Cernuschi en 1993. Le premier catalogue français de peintures de Wu Guanzhong a été publié aux éditions « La Différence », en mai 2007, avec les traductions de Hong Wai et Yolaine Escande.


En 2008, l'artiste chinois Wu Guanzhong a fait don de 113 de ses œuvres importantes au National Heritage Board de Singapour. Il s'agit du don le plus élevé jamais accordé à une institution muséale publique à Singapour. Artiste de renommée internationale, Wu est surtout connu pour marier la forme d'art distincte de l'encre chinoise traditionnelle avec les concepts modernes de l'art occidental. Récemment publiés sous forme d'anthologie en sept volumes, les écrits de Wu offrent un aperçu approfondi de son esthétique et de sa pratique artistique. Présentant 22 peintures de la donation, Seeing the Kites Againest une exposition inspirée de la métaphore du cerf-volant de Wu. Depuis les années 1960, Wu Guanzhong a produit un grand nombre d'œuvres, basées sur ses souvenirs personnels. Ces œuvres sont centrées sur sa maison dans le sud de la Chine, son enfance, ainsi que les villages et villes où il est allé. Son intérêt pour la vie et son attention aux scènes ordinaires, insufflent à son art une qualité esthétique qui témoigne d'un retour à la simplicité.

Cette exposition est une exposition de recherche spéciale de la National Art Gallery de Singapour, organisée dans les locaux du Singapore Art Museum.




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Pêchers en fleurs




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Ville natale de Wu Guanzhong Lu Xun (peinture à l'huile)


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Bois de bambous, huile sur toile


PAYSAGES


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Animaux



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MessageSujet: Re: Agenda : Ca s'est passé en juin !   Agenda : Ca s'est passé en juin ! Icon_minitimeDim 27 Juin 2021 - 15:14

27 juin 1649, décès : , peintre italien


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NATURE MORTE AUX FRUITS, VOLAILLES ET VIGNERON






Paolo Antonio Barbieri (Cento, 16 mai 1603 – 27 juin 1649) est un peintre italien de natures mortes.


BIOGRAPHIE


Paolo Antonio Barbieri est le frère du Guercino (en français le Guerchin, Giovanni Francesco Barbieri) et les deux frères ont souvent collaboré, Guercino peignant les figures et Paolo Antonio les décorations florales.
Les sujets des tableaux de Paolo Antonio Barbieri sont des fleurs, des fruits et le jeu, mais il excelle particulièrement dans la peinture de poissons, qu'il a représenté avec une étonnante fidélité.


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Une nature morte avec des huîtres, un melon, une cruche à vin et un tonneau sur une table
huile sur toile


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Nature morte au poisson, pain, oignons, flacon et poterie





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Kitchen Still Life
Art Institute of Chicago




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La boutique des épices




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Portrait de Guercino et de sa sœur Lucia Barbieri, avec un chat et un chien



Sur le livre de comptes du Guerchin, à partir de 1629, étaient enregistrés 42 tableaux de Paolo Antonio dont la Boutique d'épices (Pinacothèque de Spoleto) qui en 1637 a été achetée pour 58 « scudi » par le gouverneur de Cento, Alfonso Pallettoni de Spolète.




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Paul Antonio Barbieri
 (italien, 1603-1649) - 



Frate élémosinière







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Servante dans une basse-cour







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Canards, poules et coqs dans un paysage lacustre





En 1642, Paolo Antonio Barbieri déménage à Bologne avec son frère Giovanni. Sept œuvres sont enregistrées dans le livre des comptes à Bologne. Les deux frères ont collaboré sur la Flore (1642) et sur la Femme et l'Enfant avec fruit du Palais Rospigliosi-Pallavicini à Rome. Le dernier, dont les figures sont du Guerchin, fut acheté par le cardinal Mazarin en 1646. Ils ont également travaillé ensemble sur Cérès (Palais Doria-Pamphili à Rome) dans laquelle Paolo Antonio Barbieri a peint la décoration florale.




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" Retour du fils prodigue "




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MessageSujet: Re: Agenda : Ca s'est passé en juin !   Agenda : Ca s'est passé en juin ! Icon_minitimeMar 29 Juin 2021 - 14:44

24 juin, naissance 1838 : Jan Matejko, peintre polonais


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Matejko Self-portrait




Jan Alojzy Matejko, né le 24 juin 1838 à Cracovie et mort le 1er novembre 1893 dans la même ville, est un peintre polonais.
Considéré comme le plus grand peintre historique polonais de tous les temps, il est célèbre pour ses œuvres représentant les grands personnages et événements de l'histoire de la Pologne, comme la bataille de Grunwald.


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Jan Matejko - La bataille de Grunwald 1410


BIOGRAPHIE
Son père, Franciszek Matejko était originaire de Roudnice qui vint s'installer en Galicie pour y enseigner la musique. Il déménagea à Cracovie où il épousa Joanna Karolina Rossberg, fille d'une riche famille bourgeoise germano-polonaise. Jan était le neuvième de leurs onze enfants.
Dès son plus jeune âge, Il développa un talent hors du commun pour les arts plastiques, ce qui lui permit de continuer l'école malgré ses difficultés dans les autres matières.
Il fit ses études à l'École des beaux-arts de Cracovie (1852-1858), puis à Munich (1859). Il alla également à Vienne (1860) mais il en revint rapidement insatisfait. C'est à Munich que Matejko trouva l'inspiration dans les œuvres de Paul Delaroche, concepteur de l'« anecdote historique ». Sa formation artistique et idéologique se poursuivi ensuite dans un cercle bohème de Cracovie rassemblant de jeunes artistes, écrivains et historiens qui s'étaient rencontrés dans l'atelier de sculpture de Parys Philippi. Son amitié avec Józef Szujski, plus tard co-fondateur de l'école historique de Cracovie, remonte à cette période.
En 1862, à l'âge de vingt-quatre ans, il peint l'un de ses tableaux les plus remarquables, Stańczyk (le bouffon du roi).


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Le Fou du roi


Ses deux frères, Edmund et Kazimierz participèrent à l'Insurrection polonaise de 1863. Jan, qui ne savait pas utiliser les armes et voyait mal, ne combattit pas mais il soutint le soulèvement financièrement et porta des armes aux insurgés à Goszcza.
En 1864, il épousa Teodora Giebułtowska dont il eut quatre enfants : Beata, Helena, Tadeusz et Jerzy. Leur cinquième enfant, Regina, mourut en bas âge.
En 1867, Matejko présenta sa toile Rejtan ou La chute de la Pologne au Salon de Paris, au grand dam des descendants des grandes familles polonaises qui y vivaient et qui reconnurent leurs ancêtres sur la toile. Elle présente la scène de la ratification du premier partage de la Pologne par la Diète polonaise en 1773.
Matejko visita Paris (1867, 1870, 1878, 1880), Vienne (1866, 1867, 1870, 1872, 1873, 1882, 1888). En 1873, il se rendit également à Prague et à Budapest, et au tournant de 1878/79 et en 1883, il se rendit en Italie (Venise, Rome, Florence). En 1872, il passa plusieurs mois à Istanbul.
En 1873, il devint le premier professeur et directeur de l'École des beaux-arts de Cracovie. Il resta en fonction jusqu'à sa mort en 1893.
Il est enterré au cimetière Rakowicki de Cracovie.




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« Portraits des enfants de Jan Matejko », Tadeusz, Helena et Beata » réalisé par Matejko lui-même en 1870.




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Astronome Copernic ou conversations avec Dieu




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Un aveugle et sa fille 




Œuvre


Mis à part des portraits, presque toutes ses toiles sont consacrées à l'histoire de la Pologne. Ses compositions monumentales d'une grande force d'expression et ses effigies des rois polonais dont les reproductions illustrent les manuels scolaires sont toujours très populaires dans le pays. C'est lui qui créa l'imaginaire historique polonais.




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"Auguste III de Pologne"






Depuis sa jeunesse, le romantique Matejko conçut son art au service de sa patrie, privée d'indépendance politique, et voulut éveiller, le pinceau à la main, le sentiment national. Il évoqua le passé historique avec passion et accusa les aristocrates au pouvoir d'être responsables de l'asservissement de la Pologne, partagée entre la Russie, l'Allemagne et l'Autriche (StańczykLe Sermon de SkargaRejtan ou la chute de la Pologne).




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Le sermon de Piotr Skarga devant Zygmunt III Vasa




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Accueil des Juifs en Pologne 1096




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Rejtan ou La chute de la Pologne 1772


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Stefan Batory à Psków 1582




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L'Union de Lublin 1569



Matejko s'efforçait d'atteindre une synthèse historique et philosophique plutôt que de peindre de simples faits historiques. Sur ses toiles apparaissent souvent des personnages n'ayant pas participé aux événements (comme Hugo Kołłątaj ou encore le général Józef Wodzicki dans Kościuszko à Racławice).




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Portrait of Jozef Ciechonski - Jan Matejko




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banquet chez Wierzynka  





Les qualités picturales de l'artiste se révèlent surtout dans ses portraits, en particulier ceux de ses amis. Son Autoportrait est considéré comme son chef-d'œuvre.

En plus de l'activité pédagogique, Matejko participa aux travaux des comités de conservation des monuments historique de sa ville. Il prit part à la rénovation de l'autel gothique de Wit Stwosz dans l'église Sainte-Marie (1867-69), du restaurant du bâtiment de Sukiennice (1875-79) et du château du Wawel (1886).

En 1890-91, il exécuta à la basilique Sainte-Marie de Cracovie, en collaboration avec ses élèves Józef Mehoffer et Stanisław Wyspiański, la magnifique peinture murale et la polychromie. Cette œuvre novatrice peut y être admirée encore aujourd'hui.


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Jeanne d'Arc à Reims




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Victoire de Jean III Sobieski à Vienne 1683



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L'hommage prussien 1525




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L'adoption de la Constitution du 3 mai 1791




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Władysław I Łokietek rompt les accords avec les chevaliers teutoniques de Brześć Kujawski, le 
tableau date de
1879.auteur: Jan Matejko (1838-1893)

Hommages



En 1882, Jan Matejko se vit attribuer le titre de citoyen d'honneur de Cracovie. Cependant, le grand artiste a renoncé à cet honneur dix ans plus tard pour protester contre la décision du conseil municipal de démolir les anciens bâtiments du monastère pour construire à la place le théâtre Juliusz-Słowacki.

Une place devant l'académie des Beaux-Arts de Cracovie dont il fut le premier directeur, est liée à l'attribution de ce titre et porte désormais son nom (place Matejko). Il s'agissait d’un hommage exceptionnel à l'artiste, car il est très rare qu’on attribue le nom d'un endroit public à un personnage vivant.

Après la mort de l'artiste, sa demeure cracovienne au 41 rue Floriańska, où il naquit et vécut, est devenue le premier musée biographique de Pologne. Le mobilier de la maison Jan Matejko rend de façon fidèle l'ambiance de l’époque.

Une statue en son honneur a été érigé en 2013 à l'occasion du 120e anniversaire de sa mort. Réalisée par Jan Tutaj qui s'est inspiré de l'Autoportrait de l'artiste, elle se trouve à côté du Barbacane en face de l'académie des Beaux-Arts.








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MessageSujet: Re: Agenda : Ca s'est passé en juin !   Agenda : Ca s'est passé en juin ! Icon_minitimeMer 30 Juin 2021 - 16:19

29 juin 1799, naissance : François-Auguste Biard, peintre français


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François-Auguste Biard, pseudonyme de François Thérèse Biard, est un peintre français né le 29 juin 1799 à Lyon et mort le 20 juin 1882 à Samois (Seine-et-Marne).


BIOGRAPHIE


Formation
Bien que destiné par ses parents à l’état ecclésiastique, François-Auguste Biard se consacre à la peinture. Il commence à peindre dans une fabrique de papier peint lyonnaise, puis rejoint l'École des beaux-arts de Lyon où il sera formé par Pierre Révoil jusqu'en 1818, puis par Fleury Richard qui lui succède à la tête de l'école. Toutefois, Biard reste un élève relativement autonome qui ne suit la formation que par intervalles plus ou moins réguliers. Il est qualifié d'autodidacte.
Il se met ensuite à voyager et parcourt l’Italie, les îles de la Grèce et le Levant. À son retour, il expose au salon de 1818 son premier tableau de genre, Les Enfants perdus dans la forêt, que la gravure rendit bientôt populaire, puis il entreprend d’autres voyages dans différentes contrées européennes.


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Portrait du peintre




Un peintre voyageur


Lors du premier Salon parisien auquel il participe, en 1824, il est accueilli très favorablement par les critiques et plus particulièrement par Auguste Jal, à l'inverse de ses collègues, élèves, eux aussi, de Révoil.

En 1824, l'archevêché commande quatre tableaux aux élèves de Pierre Révoil. Biard fait partie des peintres sollicités. Il peint alors Saint Pothin apportant dans les gaules l'image de la mère de Dieu




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Saint Pothin apportant dans les gaules l'image de la mère de Dieu. 



La même année il participe au Salon de Paris. Il participera de manière régulière aux Salons de Paris mais restera fidèle également aux Salons lyonnais. Il sera soutenu par la Monarchie de Juillet, qui acquiert plusieurs de ses tableaux.




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" Femme à sa coiffeuse "


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" La couturière "




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Briard - " Le Sermon "




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" Le bain des canotières "


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" Quatre heures au Salon "


Biard évoque sur le mode satirique le succès du Salon, exposition d’artistes vivants qui se tenait au 1er étage du Palais du Louvre une fois par an. La scène se passe dans les premières travées de la Grande Galerie, où les œuvres trop nombreuses pour être accrochées dans le seul Salon carré visible au fond, sont présentées sur plusieurs niveaux. Alors que les gardiens annoncent, bouche grande ouverte, la fermeture du Louvre, le public aux attitudes exagérées, se bouscule devant les œuvres.



À partir de 1827, Biard entame une série de longs voyages. Il commence par faire un tour du bassin méditerranéen. Il fait escale à Malte, à Chypre, en Syrie, puis en Égypte. Il rentre ensuite à Paris.




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" Le sérail " ( Harem )




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François-Auguste BIARD (Lyon, 1799 - Fontainebleau, 1882)
Au Sérail (dans le harem)
Huile sur toile


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Léonie


En 1839, il participe à l’expédition scientifique dirigée par Joseph Paul Gaimard, au Spitzberg et en Laponie, avec sa fiancée, l’écrivaine Léonie d'Aunet, qui publia le récit de ce voyage en 1854, sous le titre Voyage d’une femme au Spitzberg. Il tire plusieurs tableaux de ce voyage et peint quatre panneaux à décor nordique pour le Muséum national d'histoire naturelle à Paris.




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François-Auguste Biard : Le Pasteur Læstadius instruisant les Lapons



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Jeune Sami debout appuyé sur une canne, 1839 Huile sur papier marouflé sur carton, 38 × 30 cm Collection particulière• Crédits : :copyright: Collection particulière 







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François Auguste Biard, Kayaks esquimaux, le baiser, 1842 :copyright: Bayeux, musée d'art et d'histoire Baron-Gérard (MAHB)



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Embarcation attaquée par des ours blancs dans la mer du Nord, 1839 Huile sur toile, 50 × 62 cm Tromsø, Nordnorsk Kunstmuseum• Crédits : © Nordnorsk Kunstmuseum 



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François-Auguste Biard : Le duc d'Orléans descendant le grand rapide d'Eijanpaikka à la rivière Muonio (Laponie), août 1795




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François-Auguste Biard : Les Groenlandais chassent les morses en mer Arctique





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Magdalena Bay, vue prise de la presqu’île des Tombeaux, au nord du Spitzberg ; effet d’aurore boréale, 1841. Huile sur toile, 130 × 163 cm Paris, musée du Louvre.• Crédits : © RMN-Grand Palais (musée du Louvre)








Il épouse Léonie d'Aunet le 23 juillet 1840, à Paris. Plus tard, de 1843 à 1850, elle deviendra la maîtresse de Victor Hugo. Le 5 juillet 1845, elle est surprise avec Hugo en flagrant délit d’adultère dans un hôtel du passage Saint-Roch. Le commissaire laissa partir Hugo lorsque celui-ci invoqua son inviolabilité de statut de pair de France, mais Léonie Biard fut arrêtée et emmenée à la prison Saint-Lazare. Au bout de deux mois, elle fut transférée au couvent des Dames de Saint-Michel. Elle est entrée dans la carrière littéraire sous son nom de jeune fille, après sa séparation judiciaire de son mari en 1855. Le couple a eu une fille, Henriette Marie Adélaïde, né le 14 octobre 1840, qui deviendra baronne en épousant Lucien Joseph Eugène Double en 1885 ; elle fut connue sous le pseudonyme littéraire d'« Étincelle »10, et également un fils, né en 1844, devenu diplomate sous le nom de Georges Biard d'Aunet.







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Portrait de femme, Rio de Janeiro, musée national des Beaux-Arts.



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[size=16]Léonie[/size]

[size=16]Biard n’est pas apprécié des critiques contemporains. Pourtant le portrait de sa femme n’a rien de conventionnel. On peut penser que l’époux a su capter quelque chose du moi profond de Léonie. La jeune femme qui nous regarde gravement nous touche par-delà la mort.[/size]







Voyages aux Amériques


François-Auguste Biard peint parfois des tableaux inspirés de la Bible (Sainte Marie-Madeleine, Salon de 1827), de la littérature (Gulliver dans l’ïle des géants, Salon de 1852) ou de l’histoire (Hudson abandonné par son équipage en 1610, Salon de 1852).




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François-Auguste Biard : Portrait de l´impératrice du Brésil, Tereza Cristina  












Vers 1858, il séjourne deux ans au Brésil. Il reste environ un an à Rio de Janeiro où il côtoie l'aristocratie brésilienne et travaille à la cour de l’empereur Pedro II, son ami, et il effectue des expéditions dans l’intérieur du pays et ensuite en Amazonie. Plusieurs toiles évoquent ce voyage. Biard est invité en 1859 pour enseigner à l’Académie des beaux-arts de Rio (fondée par la Mission artistique française de 1816), mais il reçoit l’invitation pendant son voyage en Amazonie et donc il la décline.

Avant son retour du Brésil, Biard passe par l’Amérique du Nord. Il en témoigne dans sa toile Comment on voyage en chemin de fer dans l’Amérique du Nord (Salon de 1861). Plusieurs toiles évoquent également l’attention qu’il porte à l’esclavagisme.

Outre plusieurs médailles — il est trois fois médaillé au Salon —, il reçoit la croix d’honneur en 1838. Si les tableaux que lui inspirent son voyage au pôle nord sont l’objet de critiques pour la monotonie de la composition et l’exagération des effets, c’est dans le genre familier que Biard acquiert une réputation, notamment par les qualités de mouvement et d’expression de ces œuvres, dont Une famille de mendiants et La Diseuse de bonne aventure au musée des Beaux-Arts de Lyon, Les Comédiens ambulants au château de Fontainebleau, Le Baptême sous les tropiquesLe Bon GendarmeLes Honneurs partagésLa Sortie d’un but masquéLa Traversée du Havre à HonfleurMal de mer sur une corvette anglaise au Dallas Museum of Art, Le Conseil de révisionUn plaidoyer en provinceL’Abolition de l’esclavage (27 avril 1848).

Le travail de François Biard ne fait pas l'unanimité. Si les critiques parisiens comme Auguste Jal puis Delécluse en font l'apologie et que de nombreux personnages de l'aristocratie comme le duc d'Orléans le soutiennent, à Lyon en revanche l’accueil est beaucoup plus sec et cela s’accentue après 1870. On lui reproche principalement l'humour et les caricatures qu'il glisse dans ses tableaux et qui font leur particularité. Il restera un peintre mal-aimé, jusqu'à être renié par Lyon. Cependant nombre de ses œuvres ont été exposées au musée des Beaux-Arts de Lyon.

Biard publie la relation de son voyage au Brésil, sous le titre Deux années au Brésil, illustré de 180 gravures (1862, gr. in-8°, fig.). Cette relation sera très utilisée par Jules Verne dans la rédaction des descriptions (mœurs indiennes et paysages) de son roman La Jangada. Jules Verne le cite d'ailleurs dans la première partie au chapitre V est écrit « le trop fantaisiste peintre Biard ». Cette qualification régulière de « fantaisiste » vient pourtant en réalité de son illustrateur Édouard Riou qui a repris ses croquis et non des croquis de Biard1







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Deux Indiens en pirogue, vers 1860-1861 Huile sur toile, 50,2 × 61 cm Paris, musée du Quai Branly• Crédits : :copyright:Musée du Quai Branly-Jacques Chirac, dist. RMN-Grand Palais






Style


Au xixe siècle, François-Auguste Biard est particulière

ment connu pour ses peintures de paysages exotiques. Ses œuvres, qui font preuve d'une très grande minutie et d'un sens du détail, témoignent de sa formation lyonnaise. Il répond en effet à certains codes de l'École des beaux-arts de Lyon tels les paysages très détaillés ou les couleurs denses.




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François Auguste Biard


Le goût de l’exotisme et du détail sont caractéristiques de l’œuvre de François Biard. Ils témoignent également d'une influence de l'école hollandaise, allemande et surtout anglaise. Le style de William Hogarth ou de David Wilkie et celui de Biard se rejoignent sur certains aspects du romantisme.

François Biard est principalement un grand voyageur qui s'inspire et se forme au cours de ses multiples périples.

La découverte de nouveaux paysages influence énormément la peinture de Biard. Il travaille à l'aide de croquis et n'hésite pas à aller sur le motif. Au retour de son périple en orient il peint des scènes historiques orientales comme Le Prince de Joinville visite dans le Liban, ou Le Village d'Heden qu'il présente en 1846 au Salon de Versailles. Il est donc un peintre qu'on peut associer au naturalisme.

Il s’appuie également sur des reportages ethnographiques afin d'avoir des représentations très réalistes. Le travail de Biard est un travail documenté et vériste. C'est un peintre d'histoire, qui aime à représenter des relevés et des constats d'ordre ethnographique. Il utilisera toute sa vie ses notes de voyages.

Il aborde également des sujets plus politiques comme la question de l'esclavage. En 1833 il peint La Traite des noirs. Le tableau étonne par l'impartialité avec laquelle il aborde cette question.

Cependant, si Biard est particulièrement connu pour ses peintures de paysages, son œuvre est particulièrement hétéroclite. Il peint aussi bien des scènes religieuses que des scènes historiques, militaires ou quotidiennes. Il est aussi portraitiste à la cour du roi Louis-Philippe. Cette multiplicité déstabilise et divise l'opinion. Il est apprécié par Prosper Mérimée, Alfred de Musset, Théophile Gautier. En revanche Charles Baudelaire a une très mauvaise impression sur lui.

Biard est un peintre autonome dans le monde de l'art mais également très populaire au xixe siècle. Peintre voyageur mais aussi peintre officiel de la cour de Louis-Philippe, il obtient de nombreuses récompenses pour son travail. Il reçoit deux médailles d'argent en 1833.




Œuvres


L'Abolition de l'esclavage dans les colonies françaises en 1848






L'Abolition de l'esclavage dans les colonies françaises en 1848 de François-Auguste Biard est une huile sur toile de 260 × 392 cm conservée au château de Versailles.

La scène représente l'abolition de l’esclavage dans les colonies françaises. On assiste à la scène de l’émancipation du peuple esclave en 1848 en France. On aperçoit deux esclaves noirs, au centre, qui s’enlacent, représentés avec des chaînes brisés, image de leur liberté juste acquise. Les autres esclaves ne sont toujours pas levés mais sont agenouillés en reconnaissance devant la personne qui a déclaré l’abolition de l’esclavage.




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Biard Abolition de l'esclavage 1849 - château de Versailles






L’histoire et la gloire l’avaient abandonné et voici qu’il réapparait aujourd’hui, comme en majesté à la maison Victor Hugo.





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Vente d'esclaves dans l'Amérique du Sud - Slave Market, c. 1850-1860, 58.4 H/t, 75 x 133 Carnegie Museum of Art• Crédits : © Carnegie Museum of Art, Pittsburgh


Pour parler de cet artiste singulier François Auguste Biard, qui aurait pu être aimé pour ses grands paysages et ses scènes ensauvagées, lui qui faisait de la peinture religieuse à l’heure du néoclassicisme, peignait des ours blancs quand Delacroix dessinait des lions d’Afrique, qui fit des œuvres engagées pour les aliénés, les exclus et contre l’esclavage, alors que le public ne s’entichait que de ses œuvres anecdotiques et humoristiques. Pour parler de ces contradictions, je reçois aujourd’hui Gérard Audinet directeur des Maisons de Victor Hugo et Vincent Gille commissaire de l’exposition :  François Auguste Biard, peintre et voyageur… ) Chargée de recherche Maurine Roy










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